EL ARTE POP Y SU INTEGRACIÓN A LA ECONÓMIA MUNDIAL. "El acto creador proceso resultante de una multiplicidad de posibilidades de elección; finalmente hemos podido comprobar esta apertura apertura del paraíso entre distintos géneros artísticos" .
El arte se expone a sí mismo, el arte se desmenuza, el arte es pop. El arte pop fue un acontecimiento estilístico que dió un giro en la concepción del arte occidental para abandonar la teoría y los cánones académicos, y direccionar la concepción del arte a la aceptación del la vida cotidiana y ordinaria; a el "...mundo sórdido o exuberante, superficial, despiadado... fugaz, en que estamos inmersos... el de la publicidad comercial y las diversiones...”1 ocurrido entre 1956 y 1966 en Inglaterra y Estados Unidos. El arte pop está deslindado de la categoría de arte sublime, y sus resultados han quedado de manifiesto en las ideas del dibujo publicitario. Es figurativo y realista, se basa en la idea de que el artista debe tratar tanto su mundo contemporáneo como la vida en su arte; característica que no se había dado en las vanguardias desde 1861, cuando Courbet afirmó esa idea en su manifiesto del realismo. "La solución de los artistas pop fue volver a poner el arte en contacto firme con el mundo y la vida, y buscar una temática que aseguraría un grado de inacepatabilidad.”2 El arte pop fue creado en Nueva York y Londres en un tiempo testigo del desarrollo de las grandes ciudades plenamente instauradas en el capitalismo, la cultura del consumismo y el estado de bienestar; cuya sociedad trabajadora estaba adiestrada para el consumo mediante el bombardeo constante de publicidad publicidad a través de de los medios medios de comunicació comunicaciónn masiva. masiva. por lo tanto tanto se pintaran pintaran :"revistas :"revistas de cómic´s y de fotografías; fotografías; anuncios anuncios publicitario publicitarioss de toda especie; especie; el mundo mundo del espectáculo espectáculo popular... popular... películas películas de Holywood, Holywood, música pop, parques parques de diversiones, diversiones, radio, radio, televisión televisión y periódicos periódicos sensacionali sensacionalistas; stas; artículos artículos durables de consumo, en especial neveras y automóviles... alimentos, en especial hot-dogs, helados, pasteles y... y... dinero." dinero." 3 El arte pop trató sus temas de una forma novedosa, insistió en que cualquier aspecto de la realidad, sirva de pretexto para hacer una pintura; aspectos del mundo, cuya repetición en la vida cotidiana de los espectadores, en esta caso de las masas, sirvan para retener la atención del observador, elementos ajenos a las formas académicas, que por conocidas y tradicionales al espectador le es fácil ignorar. Resultando así una especie de arte que combinaba lo abstracto, en cuanto que lo pintado no dejaba de ser una interpretación subjetiva; y lo figurativo, en la medida en que la presentación era "asombrosamente literal" a literal" a los objetos motivos de ser representados en una pintura. La gestión del arte pop en NuevaYork tiene sus antecedentes con la llegada, de Paris, del artista Marcel Duchamp en 1915. Duchamp empezó a producir obras, llamadas "readymades", desde 1913, éste tipo de obras consistían en tomar objetos existentes en la naturaleza, para presentarlos posteriormente ya sea modificados por el artista o con no mas intervención que la firma como obra de arte. Estas obras no 1 2 3
Simon Wilson, El Wilson, El arte pop pop, trad. Marcelo Covián,Ed. Labor S. A., Barcelona, 1975, 132 p. Ibid .,., p.9. op. cit .,., p. 4, 5.
tenían la intención de ser objetos sensuales, sino la de expresar una idea; el readymade que llevó consigo Duchamp a Nueva York como obsequio para su amigo el coleccionista Walter Arensberg, titulado "Aire de paris", era simplemente una porción de aire parisino encerrado en una esfera de cristal. De esta manera Duchamp proponía que la creación artística fuera a partir de elementos prexistentes, y que no necesitaba ser obligatoriamente una operación manual, sino que la creación artística puede ser cuestión hasta de tomar una decisión; además de poner de manifiesto que ningún aspecto de la realidad está fuera del alcance del artista. Ideas que retomaran en Nueva York Robert Rauschenberg y Jasper Johns, precursores de la idea del arte pop; posteriormente las retomaran todos los artistas pop. En 1955, Rauschenberg, haría su primer pintura titulada "Cama", obra que, basándose en los principios del readymade, consistía en ropa de cama real, salpicada y manchada de pintura, colgada en una pared y presentada como obra de arte. En éste tipo de pinturas, llamadas combinadas, se usa pintura para integrar objetos reales a la obra. Al tiempo que Rauschenberg hacía estas pinturas, declaraba que, como artista, operaba en "el vacío entre el arte y la vida." . También produjo obras tridimensionales, por ejemplo la llamada "coca-cola plan" de 1958, que incorporaba en su espacio tres botellas de coca-cola; objeto que se convertirá en motivo constante del arte pop. Jasper Johns incidió en la gestión del arte pop en la medida en que empezó a producir pinturas tomando objetos e imágenes familiares, hasta superficiales como la bandera norteamericana elementos que según el poseían tres cualidades vitales para el arte pop: eran objetos familiares; bidimensionales y simples; e impactantes visualmente. Las posibilidades que abrieron en Nueva York Jasper Johns y Robert Rauschenberg fueron asimiladas por todos los artistas pop de Nueva York. Fue Roy Lichtenstein, uno de los creadores del arte pop, quien definió mejor la postura de los artistas pop, cuando declaró; "el arte se ha vuelto extremadamente romántico e ideal y se nutre de sí mismo, es utópico y al mirar al interior, cada vez tiene menos que ver con el mundo" , decía él en relación dialéctica con el expresionismo abstracto que estaba basado "...en la idea de que el arte debía de ser un registro directo de los impulsos interiores y de los estados mentales del artista... un arte intensamente personal y espiritual...precisamente lo opuesto al arte pop" 4 de objetos e imágenes familiares, de comic´s, publicidad y de cotidianidades del mundo real aparentemente sin sentido de Lichtenstein; y de los motivos populares de la cultura de la fama y los medios de comunicación masiva, en desarrollo paralelo con su función de enajenar y predisponer a las sociedades modernas a la cultura del consumo de Andy Warhol. En la medida del desarrollo del arte pop es importante darse cuenta de los procesos de ruptura de la estructura clásica del arte occidental. "No podemos darnos por satisfechos con anotar las múltiples conquistas de la <
; tenemos que observar también que esta expansión trajo consigo promesas incumplibles, y que ha sido atrapada y pervertida por los mecanismos del mercado. Aquí, en lo económico, parece tener sus raíces recientemente en la muy discutida crisis de las vanguardias. Éste malestar hacia a las vanguardias domesticadas comparten aquellos que son capaces de darse cuenta de que la acción artística emitida es una anticipación social, al status quo.”5 Se identifica al arte pop como la despedida del arte tradicional para dar lugar al arte posmoderno: "En el siglo XIX se extendieron los diversos procesos de formalización y encriptamiento en cuyos 4 5
Ibid .; p. 12. La crisis de las vanguardias trae consigo la ruptura de lo moderno a lo pos- moderno. Werner Hofmann, Los fundamentos del arte moderno , Ed, Peninsula.(Barcelona, Mayo 1992, p.420.
<> estuvimos buscando los <> del arte moderno, se puso en duda como mínimo, una de las tres premisas centrales de la práctica artística tradicional: en un enunciado conceptual unívoco, nacido de un juicio apreciativo, el canon formal y/o la reproducción ilusionista del mundo perceptible. " 6 Éste cuestionamiento equivale al abandono del terreno ideal del arte académico. Vemos claramente como anuncia, el arte pop, su negación al arte como lo conocía occidente. "Los <> del arte moderno son, por ende resultado de diversos deslindes. Nada cambia el hecho de que más tarde la modernidad, definida así como retrospección, remitiera sus proyectos más radicales a los impulsos utópicos, antiestéticos o propios de la crítica social, proyectos en cuya apertura, se buscaba la expansión del <>.”7 El arte del no arte es aquél que propone el giro en el discurso dialéctico y el camino de la interpretación entre el artista y la realidad, aquella antigua búsqueda de la belleza dentro del canon occidental será desechada. La llamada deslimitación del objeto y discurso del arte conforme a la realidad y la belleza tangible. Toda la antigua concepción del arte es decir ; aquellas historias plasmadas en un espacio delimitado (lienzo) que proponían la vida; confesiones políticas, hazañas por elevar el afán académico, las personas y la emoción en la obra, se vuelven nulas. Anular el pasado y el desarrollo clásico de la idea del arte representa una vez más otra revolución dentro de la concepción de la interpretación-sensación y la representación que por su puesto se ve alterada de su objeto establecido; en este caso "el arte del no arte" significa una renuncia a los problemas cotidianos, aquel "ser sensible" antiguamente llamado artista, se le sustituye por un cataloguista, que renuncia al súper hombre y se orilla a los caminos del nihilismo para centrarse en la ruptura del tiempo haciendo una cadena entre identificarse con la trascendencia que cae en la trampa de no trascender. "Los grandes poetas y los grandes artistas tienen como función social renovar sin cesar el aspecto que adquiere la naturaleza a los ojos de los hombres. Sin los poetas, sin los artistas, los hombres se hastiarían pronto de la monotonía de la naturaleza. El orden que aparece en la naturaleza, y que no es si no el efecto del arte, se desvanecería en seguida. Todo se desharía en caos. No más estaciones no más civilizaciones, no más pensamiento, no más humanidad, no más tampoco vida y la imponente oscuridad reinaría para siempre" .8 Guillaume de Apollinare, Hacía el siglo XVIII enuncia al artista como aquél mesías del tiempo, este ser siempre sensible y denunciante de la realidad perceptible, que transforma la naturaleza para procesarla en un producto con efectos conmovedores en el alma de los demás hombres, el artista ante todo detenta la humanidad y clama libertad. Pero el arte moderno cuestiona los procesos formalizadores y pretensiones de exclusivismo ascético de la academia. La concepción antigua del arte determinaba las relaciones entre el productor y el receptor sobre la base de la categoría objetiva única y reconocible llamada obra de arte. Las características que se derivaban de la creación de la obra de arte llevaban consigo el peso de la autoridad. De manera que según 6 7 8
Ibid; p. 420. Ibid; p. 430. Guillermo de Apollinare ,"La función social del arte" en Antología. Textos de estética y teoría del arte trad. Adolfo Sánchez Vazquez Lecturas universitarias ( UNAM - México )1982, pp.250-251. ,
esto, la obra de arte 1) constituye el resultado de las acciones únicas e intencionadas; 2) sólo están autorizados para crearlas los <> cualificados por el talento y el oficio. Esto último lleva a 3) la cuestión de la categoría de cada producción artística , calculada según medidas objetivas ( por ejemplo la perfección artesanal, o bien un determinado ideal de belleza) o por la obstinación subjetiva del artista , sancionada en el aura de genialidad que le ha sido concedida.9 Entonces con el proceso del nuevo arte moderno el proceso de creación ya no es considerado irreversible, se concibe la obra como perteneciente a afirmar la unicidad que no pretende identificarse con ninguna corriente, ni se establece un espacio, ni los materiales del arte a un concepto limitado, he de ahí las deslimitación. En los años sesenta y setenta del siglo XX que es cuando este nuevo criterio de la deslimitación emerge, se divide en diferentes corrientes, Uno de los polos lo constituye el pop art angloamericano y en el otro extremo tenemos noveau réalisme parisino, incluidos sus seguidores accionistas (hapening land art ); el otro polo, los distintos tipos de neo- constructivismo (op art, minimal art, arte cinético, arte por ordenador) etc. Andy Warhol. Piensa rico, mira pobre. En 1960 AL Tiempo que Roy Lichtensteín comienza a elaborar comic´s y anuncios publicitarios después del rotundo exíto que había obtenido ganando la medalla del club de directores de arte para anuncios de calzado en 1957, Andy es en sí un mero publicista con un espíritu afanado al artista, según sus influencias del arte poseía un gusto especial por el arte surrealista, teniendo en su colección obras de René Magritte. Entonces el trabajo de este nuevo artista Neoyorkino trascendería, presentando como obra de arte, imágenes populares integradas en una estructura pictórica. Abandonó el comicstrip enfocando su atención en elementos populares y comerciales que fueron elegidos para mirar en las galerías como: sopas campbell, coca cola; elvis y marilin y objetos familiares. También los desórdenes raciales y la explosión de la bomba de hidrógeno, más adelante se inclina por la serigrafía. "El efecto de la selección de esta clase de imágenes, de que no esta haciendo ningún comentario, de que las imágenes no tienen ninguna significación especial" . Warhol trabajaba de manera casi imperceptible sobre las obras, la novedad era pensar en que el trabajo manual del artista fuera como si el objeto por si mismo nunca hubiera sido manipulado. Así cambiamos el nombre de obras de arte por objeto, ya que el artista mismo muestra un desinterés por su contenido; solo mira el aspecto de un colorido exaltado, de atención que pide una mirada al colorido chillante de muchas de sus obras. Con el uso de la serigrafía Wharol inaugura de manera activa la " repetición hasta el infinito del objeto del arte" condenándolo a ser un producto más del mercado. Con Warhol, la transición del artista, le arrebata la capacidad de la entidad humana creadora, además del despojo de unicidad que parecía buscarse en la pureza de las cosas. La tensión se desvía de la imagen y lo que queda por mirar queda en términos de superficie de color. El mismo ha dicho: 9
Werner Hofmann, Los fundamentos del arte modern. O p. cit, p422.
"Pienso que la pintura es lo que siempre ha sido, me llena de confusión, que la gente espere que el arte pop haga un comentario o diga que sus practicantes aceptan su medio ambiente.” Warhol define asi su pintura: como el sentido de lo que se ve, no hay nada especial detrás de ella. Los beneficios que "la factory" trajo consigo fueron amplios, primero fue concebida como el paso del artista al empresario, o más bien negociante sobre las últimas tendencias de la publicidad y la nueva demanda del arte. El paso estaba dado, Andy era el supervisor y director de los modelos para la serigrafía que favorecía las nociones de realidad por la señalación del arte como una elección de una parte de los productos industriales ridiculizados a la simplicidad inventiva de todo el movimiento del arte moderno. Otra ventaja el la manera de producción: el tiempo, es de nuevo mejor economizado por que (se libra del pesado artista que usaba las manos con belleza) logra que el desarrollo de la industria serigráfica tenga los alcances propios que en la modernidad tiene, es decir, alcances de necesidades de masa. "Warhol parece haber estado buscando la lógica de un arte basado en las imágenes producidas en masa" Andy exponía constantes que se pueden ver bajo la adopción del"superstar del arte moderno" , en sus obras siempre están elementos casi benditos en su ostentación; obras con tendencias hacía la fama, el glamour, la muerte, violencia, desastres y dinero. No solo fue el creador de la serigrafía en el sentido comercial; además de publicista le dio un impulso al sistema político-mundial de dominación, dependencia y adoctrinamiento del comprador-vendedor. Con sus imágenes meramente propagandísticas desarrollo el culto a la personalidad.
De la integración del arte moderno en la economía mundial, se puede ver como el arte pop con su función propagandista no trasciende a las vanguardias. ¿Cómo era posible que sí Marcel Duchamp hubiera autorizado y legado el arte de “hágalo usted mismo”, la industria utilizará, bajo la misma dinámica, el arte al servicio de los medios económicos con fines educativos para el consumo?
¿Confirmó o satirizó el carácter fetichista que atribuía Marx al mundo de las mercancías?10 ¿Cuándo las imágenes y prototipos de la publicidad entran en los museos, y así se convierten en un semillero de reclamos publicitarios, sin importar lo musealización del arte-articulo? Warhol aparece como el promotor de las bellas mercancías y el lujo de la industria con sus empaques hermosos que la industria norteamericana había creado en la época de "la belle epoque" del capitalismo. Llegamos a la conclusión de que en la realidad actual, el arte pop trascendió a una mercancía que detenta glamour y status, al igual que la mayoría de corrientes y vanguardias artísticas, además de una identificación social aceptable por su posición en la escala de la riqueza y sofisticación del individuo. La diferencia es que, de ser el arte motivo de conformar élites en los estratos más ricos a lo largo de su historia, el arte pop abrió brecha para que en cualquier lugar y bajo cualquier concepto se conformen “pequeñas élites” dentro de los estratos sociales subordinados a la superestructura política, ideológica y económica; dejando a estas la sensación de sofisticación, riqueza e individualidad. Bibliografía: Wilson Simon, El arte pop trad. Marcelo Covián, Ed. Labor S. A., Barcelona, 1975, 132 p. Hofmann Werner, Los fundamentos del arte moderno , Ed. Península. Barcelona, 1992, p.420. Guillermo de Apollinare ,"La función social del arte" en Antología. Textos de estética y teoría del arte trad. Adolfo Sánchez Vázquez Lecturas universitarias UNAM – México, 1982, pp. 250-251. ,
Contextualización iconográfica. 10
Werner Hofmann, Los fundamentos del arte moderno .
“Readymade” titulado: Fuente Marcel Duchamp 1917.
Primer pintura “combinada” titulada: Cama. Basada en los principios del readymade. Robert Rauschenberg. 1955.
“Coca-cola plan” Robert Rauschenberg. 1958.
Jasper Johns “dos latas de cerveza” 1960. Vaciado en bronce pintado.
Jasper Johns “bandera” 1967. Encáustica y collage sobre tres paneles de lienzo 85,1 x 142,9 cm.
Roy Lichtenstein “mujer en el baño” 1963. Óleo sobre lienzo 173.3 cm. X 173.3 cm.
Roy Lichtenstein “costilla” 1962. Óleo sobre lienzo 53,3 x 63,5 cm.
Andy Warhol, “Vaca” 1966. Serigrafía sobre papel pintado 115,6 x 75,6 cm.
Andy Warhol, “Marlon” 1966. Serigrafía sobre lino 102.5 cm x 115 cm. (aprox.)
Andy Warhol, “Autorretrato” 1967. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo. 180 x 183 cm.
Andy Warhol, “Bomba Atómica” 1965. Serigrafía sobre tela de seda.
