Arte Sonoro
Alberto de Quintana Tauler B5, Grado en Bellas Artes Audiovisual 21-01-2011
Índice Prologo……………………………………………………………………..3 ¿Qué es el arte sonoro?................ sonoro? ...................................... ............................................ ............................................4 ......................4 Antecedentes……………………………………………………………….6 Futuristas- Inventores de captación de sonido………………………….6 Dadaístas………………………………………………………………..8 Música concreta…………………………………………………………8 Música electrónica……………………………………………………….9 Poesía Sonora……………………………………………………………9 Fluxus y otros artistas de distintas disciplinas…………………………...9 Nuevos Soportes Artísticos Sonoros………………………………………...12 - La
casa encendida……………………………………………………….12 Carsten Nicolai………………………………………………………13 Ryoji Ikeda……………………………………………………….....14 Angela Bulloch………………………………………………………15 Andres Ramirez Gaviria……………………………………………..16 Chris Watson………………………………………………………...17 Minoru Sato………………………………………………………….18 Jacob Kirkegaard…………………………………………………….19
Ariel Guzik………………………………………………………………...20 Conclusión…………………………………………………………………23 Bibliografía complementaria……………………………………………….24
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Prologo Desde mediados del siglo XX el arte inicia un proceso de disolución territorial, que se acelera y radicaliza a lo largo de los años sesenta y setenta. La cuestión del objeto de arte se llega a convertir en un asunto escurridizo, en la medida en que las obras comienzan a ser “Works in progress”, procesos o experimentos vitales que se resisten a convertirse en producto. Durante la mitad del siglo XX, el termino arte sonoro amplio sus territorios de significación mas allá de la interpretación y creación musical. Ante el vertiginoso avance de las tecnologías que permitían la grabación y manipulación de sonido con una precisión nunca antes alcanzada, surgieron en todo el mundo creadores e instituciones que comenzaron a producir un gran número de obras que iban mas allá de los territorios conquistados por la música, aunque este arte milenario buscara también su renovación exiliándose de los nuevos recursos. Estas nuevas formas de entender la composición musical fueron el resultado de un proceso lento y gradual que comenzó aproximadamente en 1877, con la creación de la grabación y pasó por la aparición de los medios electrónicos de reproducción sonora a mediados del siglo XX. El principio del arte sonoro puede ser difícil de ubicar en la historia del arte, para ello el trabajo teórico se desarrollara a partir del siglo XX hasta la actualidad, aunque el estudio del sonido o el arte sonoro empezó ya en la Grecia Antigua, donde aparece el interés del hombre por el sonido y su relación con la plástica, conservando en tratados filosóficos y místicos que fueron redactados a lo largo de muchos siglos. En el siglo XVII y el siglo XIX se experimento con líquidos de colores que filtraban la luz, produciendo diversos efectos visuales, linternas mágicas y autómatas musicales. En el Siglo XX, la capacidad de evocación, y abstracción de la música y la carencia de limitaciones físicas, inspira a los movimientos de vanguardia, que trabajan para liberar el arte de la imitación de la realidad y para dar más importancia al proceso de creación y la percepción del espectador.
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¿Qué es el arte sonoro?
La definición y la existencia de este campo relativamente nuevo es vaga y cuestionable. Algunos artistas que de manera natural le dieron preponderancia al elemento sonoro en su obra se vieron forzados a auto definirse como miembros de una nueva familia, y se convirtieron entonces en seres bicéfalos (un poco artistas plásticos, un poco músicos). Podríamos preguntarnos por ejemplo si La Monte Young (miembro fundador del grupo de arte Fluxus en los años sesenta) es compositor o artista, y no tendríamos otra alternativa que aceptar que es ambos dos. Sin embargo, en los últimos años, muchos artistas con nula o poca experiencia musical se han interesado por una utilización más consciente y estructurada del elemento sónico en su obra, sin tener por esto necesidad de diferenciarse y de distanciarse de los demás miembros de su gremio. Al hacer un intento por describir lo que es el arte sonoro podemos correr el riesgo de demarcar y delimitar un posible nuevo campo en el arte que siendo tan rico y complejo, necesita en cambio estar en permanente auto cuestionamiento para no convertirse en una disciplina que se defina a partir de algunos parámetros técnicos rígidos y escuetos. Este tipo de lineamiento es el que ha definido a las llamadas bellas artes en los últimos siglos, y es el que ha llevado a ciertas disciplinas como la pintura a una seria crisis actual, y el que probablemente llevará también al cine y a la fotografía al primer momento difícil de su corta historia. Ahora bien, podemos en cambio hablar un poco de la historia de las artes y de su relación con el mundo sonoro, y podemos también explicar el significado de ciertos términos recientes como escultura sonora, instalación sonora, audio arte, poesía sonora, etc. Toda manifestación del arte que utiliza el sonido como principal vehículo de expresión puede decirse que está relacionada con el arte sonoro. La expresión más abstracta dentro del campo del arte es probablemente la obra sonora que no se vale de ningún elemento visual para su representación. Desde la aparición del fonógrafo, de la radio, y de otros medios tecnológicos de reproducción sonora, ha habido artistas que se han interesado en crear obras de arte puramente auditivas. Estas obras pueden estar cercanas al mundo de la música, o pueden tener que ver simplemente con la expresión de ideas a través del sonido (obras de arte de carácter conceptual). Muchas de estas obras han sido concebidas para ser transmitidas por la radio, y otras de ellas para ser publicadas en 4
discos de vinil, discos compactos o casetes. El termino de audio arte surgió recientemente para poder darle cabida a este tipo de manifestaciones que no pueden ser catalogadas como música, radio novela, radio teatro, etc. Ahora bien, dentro de esta categoría podríamos también incluir a la poesía sonora. Los orígenes de la poesía están en la recitación, en la palabra sonora expresada con distintos matices e inflexiones. Esto ha ido desapareciendo y el libro de poesía que antes era tan solo un registro, se ha convertido poco a poco en su principal vía de expresión y difusión. Durante el siglo pasado, varios poetas llevaron a la poesía a otros dominios, se olvidaron un poco del significado de la palabra y se preocuparon mas por los sonidos fonéticos, por el valor sonoro de la palabra en sí misma. Ha habido un sinnúmero de corrientes de poesía sonora, baste decir que consideramos a la poesía sonora como una rama más del arte sonoro. El arte sonoro es y seguirá siendo un campo amorfo, indefinido y propicio para acoger la creatividad que se genera en los campos alternativos a las bellas artes. La necesidad del sistema imperante por definir y encasillar la actividad artística seguirá produciendo desadaptados, outsiders , y creadores nómadas que tal vez nunca encuentren un hogar propio, ojalá que el festival de arte sonoro pudiera por lo menos convertirse en una gran carpa en medio del desierto, un lugar de encuentro abierto a todo creador que utiliza el sonido como principal medio de expresión. Algunos artistas y músicos del siglo pasado que hicieron esculturas u objetos sonoros fueron: Luigi Russolo, Harry Partch, Harry Bertoïa, Bernard y François Baschet, Jean Tinguely, Takis, Robert Morris, Paul Panhuysen. Algunos artistas y músicos que han dedicado gran parte de su obra al arte sonoro fueron: Max Neuhaus, Nam June Paik, Wolf Vostell, Alvin Lucier, Laurie Anderson, Terry Fox, Milan Knizak, Christian Marclay, Gordon Monahan, Maurizio Nannucci.
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Antecedentes Futuristas- Inventores de captación de sonido, dadaístas, música concreta, música electrónica, poesía Sonora, Fluxus y otros artistas de distintas disciplinas
Algunos músicos del siglo pasado que incursionaron en el dominio de las artes plásticas tuvieron como principal objetivo la creación de nuevos instrumentos de música con cualidades estéticas y con la capacidad de producir una amplia gama de ruidos, lo que los convirtió automáticamente en esculturas sonoras. El pionero en este género fue el músico futurista italiano Luigi Russolo (30 de abril de 1885 - 4 de febrero de 1947) Fue un pintor futurista y compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913). Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia por sus "conciertos de ruidos" de 1913-1914. También es uno de los primeros teóricos de la música electrónica. Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos
de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una
participación activa en este grupo. Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos
de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de
ruidos", que fue duramente criticada en la época. Instrumento fabricado por Luigi Russolo
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Junto a los instrumentos creados por Russolo se encuentran el del norteamericano Thaddeus Cahill quien creó el primer instrumento electrónico el Dynamophone o Telharmonium (1900) y el del rusoamericano Lev Theremin, llamado Thereminovox o Etherphone. El primer instrumento musical que alcanzo cierto éxito entre los compositores fue las Ondas Martenot. Ondas Martenot
Pero Frederich Trautwein fue el primero que produjo un instrumento industrial, el Trautonium., basado en un oscilador de baja frecuencia capaz de producir un nuevo tipo de onda denominada “A diente de sierra”, muy rica en harmónicos y capaz, de ofrecer
una amplia gama tímbrica. Trautonium
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Dadaístas
Los dadaístas también se incursionaron en la práctica sonora. Hugo Ball critica el uso del habla cotidiana a favor de una poética propia para lograr el más alto grado de libertad. Entre las obras de Ball, destaca el poema fonético Gadji veri bimba, grandridi (1916) donde no hace referencia a ningún lenguaje conocido, sino que utiliza secuencias sonoras elaboradas a partir del principio de repetición y variación. Otro dadaísta que desarrollo la poesía fonética fue Kurt Shwitters de Hannover. Un ejemplo claro de esta concepción poética es la célebre Ursonata (1922-1927). Está hecha con material fonético, con sonidos que caracterizan la lengua alemana. Raoul Hausmann, también poeta dadaísta, colaboro con Shwitters en el Retrato sonoro de Raul Hausmann. Hausmann declaro:
“Si consideramos varias posibilidades que nuestra voz nos da, diferentes sonidos que podemos producir debido a la pluralidad de la técnica de la respiración, la colocación de la lengua en el paladar, la abertura de la laringe o la tensión de las cuerdas vocales, entonces también seremos capaces de comprender lo que se puede llamar voluntad
hacia la forma creativa”
Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial estas nuevas formas de creación sonora se llevaron a cabo de manera más sistemática, gracias al desarrollo tecnológico, que permitió el perfeccionamiento del magnetófono (aparato de registro y reproducción de sonido) en 1945, de la grabadora en 1948 y la grabación estereofónica en 1950.
Música concreta
En Francia Pierre Schaeffer crea la música concreta, a partir de la tecnología radiofónica, de grabar sonidos, aislarlos, combinarlos, repetirlos y superponerlos hasta obtener estructuras complejas. Pretendía componer obras con elementos preexistentes: sonidos y ruidos de cualquier origen, tanto de la naturaleza, de lo cotidiano y también de voces e instrumentos tradicionales.
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Pierre Schaeffer junto con Pierre Henry tuvieron un papel fundamental en la experimentación sonora. En 1950 compusieron la famosa sinfonía para un hombre solo. Se trata de una especie de poema concreto sobre la jornada de un hombre en la que se aprecian los ruidos cotidianos, como los pasos, las puertas, voces, silbidos, sonrisas de bebe…
Música electrónica
La música electrónica fue encabezada por el compositor Herbert Eimer, Meyer Eppler y el musicólogo Robert Beyer, quienes en 1951 fundaron el primer estudio de Música Electrónica. Esta música trabaja con sonidos producidos directamente por los aparatos electro acústicos, en que las vibraciones eléctricas se convierten en vibraciones sonoras. Los sonidos producidos de este modo son totalmente nuevos, sintéticos. Poesía sonora
A finales de la década de los 50, Henri Chopin estableció el término de poesía sonora para definir los poemas que había creado, gracias a la aparición de nuevos medios de grabación que permitían cortar, pegar, transformar y distorsionar el sonido. Muchos de sus poemas fueron compuestos por radiodifusoras en colaboración con músicos que componían obras de música concreta o electrónica. Fluxus
John Cage compuso con la radio como instrumento en sus composiciones. Credo Us, fue una obra compuesta en 1942 para una danza de Merce Cunningham y Jean Erdman. La partitura incluye un piano, instrumentos de percusión y una radio o vitrola. La relación de la música y la radio, ha sido utilizada de múltiples maneras y con funciones muy diversas. En su función descriptiva asegura los ambientes, en su función expresiva conduce las emociones y crea las atmosferas. Los compositores que previamente escribieron música para la radio o para películas comenzaron a componer sus piezas sonoras. Otro de los métodos de John Cage fue el uso del automatismo, en el que el azar rige el proceso compositivo. Así, perforaba una hoja de papel en los lugares en los que se encontraba alguna imperfección, para luego, mediante un papel transparente, ir calcando estas marcas sobre un pentagrama. 9
Ya en la década de los 30, comenzó sus primeros trabajos mostrando un gran talento para ritmos imposibles e iniciando su sistema de veinticinco tonos. Usó distorsiones para sus instrumentos llegando a declarar: "Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido” Durante los últimos años de esta década, Cage inventó el piano preparado; ello suponía incluir en el encordado del piano una serie de tornillos, tuercas y trozos de goma y madera que dotaban al instrumento de una variedad nueva de posibilidades sonoras. Seguramente, la composición más innovadora de entre las que compuso para este piano preparado es una una suite que dura 69 minutos llamada Sonatas and Interludes (19461948). Cage usaba el término "música no-intencional" para algunas de sus obras. Un ejemplo es 4'33" (1952), cuya partitura no especifica sonido alguno que deba ser producido durante los 4 minutos y 33 segundos que dura la obra. El pianista David Tudor lo interpretó por vez primera.
La Monte Thornton Young
es un compositor y músico estadounidense, generalmente
reconocido como el primer compositor minimalista. Sus obras han sido incluidas entre las obras más importantes y radicales después de la Segunda Guerra Mundial, calificadas como avant-garde , música experimental o música drone. Tanto sus composiciones proto-Fluxus como minimal ponen en tela de juicio la naturaleza y la definición de música y, a menudo incluyen elementos típicos de las performances. Un buen número de las primeras obras de Young usa la técnica de doce tonos, que estudió siendo alumno de Leonard Stein en Los Angeles City College. Cuando Young visitó Darmstadt en 1959, se encontró con la música y los escritos de John Cage. Allí se reunió también con el pianista David Tudor, colaborador de Cage, que posteriormente realizó estrenos de algunas de las obras de Young. A sugerencia de Tudor, Young comenzó una correspondencia con Cage. Unos meses más tarde, Young asistió a la presentación de algunas obras de Cage en la Costa Oeste. A su vez, Cage y Tudor incluyeron algunas de las obras de Young en sus performances a lo largo de los EE.UU. y Europa. Para entonces Young había emprendido un giro hacia el arte conceptual, 10
utilizando en sus composiciones los principios conceptuales de la indeterminación y la incorporación de sonidos no tradicionales, ruidos y acciones. Cuando Young se trasladó a Nueva York en 1960, ya tenía una reputación como enfant terrible
de la vanguardia. Inicialmente desarrolló una relación artística con el fundador
de Fluxus, George Maciunas con el que publicó un texto titulado An Anthology y con otros miembros del naciente movimiento. Las obras de Young de esta época, anotadas como escuetos textos-haiku, aunque conceptuales y extremas, no estaban destinadas a ser meramente provocativas, sino más bien oníricas
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Nuevos Soportes Artísticos Sonoros La casa encendida
Primera exposición celebrada en Madrid del 23 Abril al 30 de Junio del 2010, dedicada a la expresión artística donde lo visual y lo sonoro se funden en una sola obra. La exposición tuvo lugar en la casa encendida, en el jardín del Observatorio de las Ciencias y en el barrio de Lavapiés de Madrid, donde se pudo ver obras vinculadas a la naturaleza y concebidas para exteriores de artistas. La exposición exploro las diversas posibilidades de la escucha dentro de las artes visuales. Se hicieron varios talleres y conferencias como performances, para generar un proyecto que pretendió ofrecer al público la multitud de disciplinas del arte sonoro. En la página web de rtve, se puede ver un documental de la exposición La exposición contenía diferentes temas vinculados al arte sonoro: - Escultura Sonora. - Instalación Sonora. - Lo inmaterial. - Intervenciones en pasos de gente. - Poesía sonora
Para mayor comprensión de la exposición he propuesto un pequeño bloque para algunos artistas que mostraron sus proyectos.
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Artistas y conceptos de la exposición Carsten Nicolai
Carsten Nicolai, cercano a la estética minimalista. Sus investigaciones dentro del ámbito sonoro, han sabido vincularse en el campo de lo visual desde un lugar poco convencional. Sus obras van mas allá de la relación habitual entre arte y sonido, desplazando gran parte de su trabajo hacia lo científico. Alva Noto
es el nombre bajo el que el artista del sonido Carsten Nicolai desarrolla sus
procesos creativos, valiéndose del arte y la música para llevarlos a cabo. Otros alias que usa son, Noto o Aleph-1. Es miembro de los grupos Signal (junto a Frank Bretschneider, cuyo alias es Komet y Olaf Bender, también conocido como Byetone) y Cyclo (Con Ryoji Ikeda). Su interés por el sonido y sus cualidades físicas pudo ser inspirado en parte por la obsesión que tenía de niño con los murciélagos, con los cuales creía que se podía comunicar. Reasentándose en Berlin al inicio de los 90, Nicolai fundó el sello de música experimental Noton.Archiv Fuer Ton Und Nichtton como plataforma para sus trabajos musicales. Carsten Nicolai también trabaja como artista visual, usando los principios de la cimática para visualizar el sonido. Las creaciones de Nicolai están formadas por una convergencia del sonido, pintando y esculpiendo esos resultados en instalaciones y explorando la idea de la creatividad filtrada a través de sistemas modularizados y códigos. 13
Nicolai juega con las leyes de la física y cambia el sonido en tiempo y espacio para luego transformarlo mediante osciladores y generadores de tono. A través de esos procesos es posible escuchar la esencia de la electricidad pura. Trabaja sin secuenciadores y edita matemáticamente su trabajo, otorgando a sus composiciones precisas estructuras rítmicas. Esos sonidos de transmisiones eléctricas de información como ahora tonos de fax, sonidos de módem o clics de teléfono son sampleados y organizados en bucles a los cuales Nicolai añade otros sonidos electrónicos en diferentes planos a medida que la composición avanza.
Ryoji Ikeda
Establecido en New York, es uno de los compositores de música electrónica más importante de Japón. Su obra se concentra en las minucias del ultrasonido, así como con las frecuencias y características esenciales del mismo, explotando su causalidad con la percepción humana y las matemáticas como música, tiempo y espacio. Utilizando computadoras y tecnología digital hasta el propio límite, Ikeda ha estado desarrollando 14
unos particulares métodos "microscópicos" para la composición e ingeniería del sonido. Aparte de componer, también ha trabajado activamente en instalaciones, como ahora las aclamadas data.tron [prototype] (2007) y spectra II (2002) Desde 1995 ha estado en actividad intensa dentro del arte sonoro a través de conciertos, instalaciones y grabaciones: los álbumes "+/-" (1996), 0º (1998) y Matrix (2000) fueron aclamados por la crítica como los ejemplos más radicales e innovativos de la música electrónica contemporánea.
Angela Bulloch
La obra de Angela Bulloch trata los temas del tiempo y la memoria utilizando elementos visuales y tecnológicos. Para ello ha utilizado juegos de ordenador, imágenes de películas, teoría musical…, todos los códigos comunes a una generación para
analizar los sistemas de percepción de esta y su manera que tiene de interrelacionarse. Desde el año 2000 su obra se centra en el uso de los módulos dmx, unos cubos de madera en cuyo interior tres luces de los colores básicos permiten proyectar cualquier color sobre su superficie de cristal traslúcido. Esta nueva paleta, creada por Bulloch en colaboración con Holger Friese permite crear infinitas combinaciones de colores que ordena partiendo de referencias figurativas. Una película de Ang Lee, la obra de André 15
Cadere o una serie matemática son los puntos de partida para toda una serie de variaciones de colores de los módulos ubicados en el espacio. La propia estructura de los módulos nos hace pensar en las pistas de baile y en la iluminación de espacios públicos y de los escaparates: elementos de la cultura popular que contienen toda una reflexión sobre la iconografía de una época.
Andres Ramirez Gaviria
Su práctica artística se centra en conceptos y modelos de representación, percepción y traducción vistos a través de la historia moderna, el arte, la ciencia y la tecnología. Predominan sus proyectos de visualización de datos, como modal.patterns que enfatiza el discurso de la teoría de la Gestalt dentro de los espacios mediados y procesados por la tecnología digital. Emplea el morse para visualizar y sonificar la obra Punto y Línea sobre el Plano de W.Kandinsky.
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Chris Watson
Artsista que basa su trabajo en la grabación de sonidos de la vida salvaje. En la actualidad continua sus viajes por todo el mundo, realizando grabaciones de sonido y relacionando los sonidos de tierras lejanas a través de instalaciones sonoras . Sus evocadores pasiajes sonoros nos permiten apreciar la belleza de nuestro frágil mundo de un modo poderoso.
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Minoru Sato
Artista sonoro vinculado a los infrasonidos. Sus instalaciones describen procesos físicos a los que el sonido y la luz se enfrentan: Variación de la amplitud de las vibraciones acústicas, observación de estados térmicos a través de una onda estacionaria, difracción de la luz derivada de las ondas, amplificación de la frecuencia natural de resonancia en espacios cerrados. En sus obras entrevemos la relación entre descripción de la naturaleza y representación del mundo.
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Jacob Kirkegaard
Músico danés convertido en artista sonoro. El mundo esta repleto de música que permanece oculta a gran profundidad, bajo la superficie de la tierra o atrapada en un cauce fluvial urbano. Realiza varios estudios de sonido y arquitectura. Comienza a grabar las vibraciones de la tierra, movimientos de las placas de hielo o las vibraciones geométricas de los volcanes. La obra de la exposición de Madrid estuvo basada en el fenómeno de las emisiones otocausticas, sonidos creados en el interior de nuestro sistema auditivo. Su proyecto Labyrinthitis se basa en un principio empleado tanto en la ciencia médica como en la práctica musical: Cuando dos frecuencias en una cierta proporción se combinan en el oído interno producen una tercera frecuencia, que es generada por tanto por el oído mismo. El llamado “producto de la distorsión de
las
emisiones otoacusticas.
La casa encendida ha proporcionado una exposición con más artistas sonoros que investigan o realizan otras temáticas relacionadas con el sonido como trasfondo. En este apartado solo he querido mencionar alguno de ellos para hacernos una idea de la pluralidad de los artistas que estuvieron en la exposición de Madrid.
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Ariel Guzik
Su trabajo se encuentra impulsado por una nostalgia que busca recuperar el juego y conjugar el arte con la ciencia y por un gran afecto hacia la naturaleza. En base a esto, sus aparatos se rigen por una metodología de interacción entre el espectador (que puede ser humano, animal o vegetal) y su contexto, implicando diversas acciones preformativas en cada una de sus apariciones y generando una transformación continua de la obra misma. Las bases técnicas del artista son la resonancia, el electromagnetismo y los intervalos armónicos naturales. Su producción es una intersección entre el arte y la ciencia. Las máquinas desarrolladas en su laboratorio se conciben como instrumentos de tecnología propia, y su diseño está enfocado en la ampliación y regeneración de la conciencia humana, y al reconocimiento del fenómeno de la resonancia como un lenguaje universal entre las criaturas que habitamos el planeta. La naturaleza de estos instrumentos es tan diversa como la física, la fisiología y las artes, y tienen como eje principal la música. Algunas de sus máquinas son: - Espejo Plasmaht Instrumento orgánico, acústico, constituido por una fusión de materiales orgánicos y tecnología de diseño específico. Su arquitectura ha sido el resultado de más de quince años de investigación y experimentación, y la construcción de un primer prototipo fue culminada en 1996. Se trata de un instrumento cuyo núcleo está constituido por cuerdas y maderas preciosas, que vibran como producto de la captación de señales provenientes de seres vivos, estímulos ambientales, objetos inertes o funciones matemáticas, que, una vez acondicionados, son convertidos en campos electromagnéticos enfocados, que provocan resonancia en las cuerdas y maderas del instrumento, generando cantos. - Resonador Espectral Armónico- REA (aluminio, circuitos electrónicos) 1999 Resultado de la experimentación sobre la simulación del comportamiento de las cuerdas mediante circuitos electrónicos, superando ampliamente los límites de tensión física a la que puede ser sometida una cuerda. Las virtuales cuerdas producidas por esta tecnología, se vuelven sensibles a señales cuyo orden de intensidad y de frecuencias difieren con creces de las que podrían excitar a cuerdas físicas y las convierte en unos 20
resonadores altamente receptivos. Las señales armónicas de su núcleo son convertidas, mediante transductores, en sonidos. Es una máquina de resonancia ambiental, de tal forma que mediante detectores simples de luz y de viento, pueden generarse vibraciones sonoras derivadas de fenómenos meteorológicos, como el movimiento del sol o de las nubes, y las voces que el aire en movimiento produce en las ventanas tubulares del instrumento. - Subarmonio Canoide (metal y circuitos electrónicos) 2001 Instrumento que explora la armonía inversa: las sonoridades progresivas que genera son longitudes de onda que crecen y se abren hacia el macrocosmos. Las secuencias autogenerativas de eventos sonoros, son impredecibles e irrepetibles, y están vinculados a una red analógica basada en luz, movimientos mecánicos arbitrarios y sensores microsísmicos. Su armonía imaginaria se derivó originalmente del sonido del viento y de ladridos de perros, sin sufrir modificaciones serias, en la actualidad ha sido adaptado a recibir como fuentes los sonidos del mar y las voces de ballenas y delfines. - La Banda Nerviosa Autónoma Circuitos electrónicos digitales, acero, caoba, tambores, cascabeles y campanas. 20022005. Orquesta de 16 arañas robóticas que ejecutan improvisaciones rítmicas de percusión. Se basan en polinomios cíclicos circulares binarios. - Olla de Grillos y Cigarras (o Algarabía en el Jardín) Cristales piezoeléctricos de cuarzo; circuitos electrónicos, sensores fotoeléctricos, utensilios de aluminio, mecánica y vidrio. 2002-2003. Emulador de los órganos estriduladores de los grillos y cigarras, en coordinación con la luz del día y la oscuridad de la noche. Se basa en la excitación eléctrica de membranas de cristal de cuarzo, mediante un fenómeno físico llamado efecto piezoeléctrico. - Laúd Pinabeto, caoba, cuerdas, circuitos electrónicos. 2003-2005. Máquina de empatía mediante resonancia armónica acústica. La configuración del actual experimento se relaciona con impredecibles acordes derivados de eventuales señales que las cuerdas reconocen de una fuente de ruido térmico. 21
- Radio de Galena Galena, mercurio, semiconductores de silicio, bulbos, caoba, bronce, cobre. 2004-2006. Receptor de radiofrecuencias arbitrarias provenientes de diversas radiodifusoras terrestres y ruido electromagnético que conforman un acorde armónico sintonizable. - TV del más allá Electrónica, madera, acero, mármol. Es un receptor de radiofrecuencias naturales, conocidas por los astrónomos como ruido de fondo cósmico de microondas. Para hacer funcionar la TV, es necesario verter trabajo sobre la rueda de mármol, haciéndola girar. Ello permite accionar el aparto en cualquier lugar del universo, en cualquier tiempo, pues las señales cósmicas siempre han estado y siempre estarán ahí. - Oráculo Soviético de Todos los Tiempos Circuitos electrónicos; bulbos soviéticos de mediados del siglo XX; caoba, jadeita. 2006. Máquina de tiempo y azar. - Nave Narcisa Un instrumento submarino en construcción, enfocado en la búsqueda de comunicación con los habitantes del mar. Su obra se ha mostrado en ARCO’05 (Madrid), en el Centro Nacional de las Artes (México, 2004) y el Museo de Historia Natural (México 2001-2002), en el Museo de Arte Moderno (2008), Museo de la CIudad de México (2009) y la explanada Punto Cero (2009) entre otros espacios.
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Conclusión
Después de haber hecho una investigación sobre el arte sonoro en la historia del arte, me he dado cuenta de la gran variedad de temas tratados. Empezando por los primeros intentos de grabar el sonido de las maquinas, de la ciudad, de la voz, hasta registrar sonidos provenientes de la naturaleza tanto humana como la misma naturaleza en sí. En el arte sonoro la ciencia es un caudal muy importante, además cada vez que la ciencia descubre un nuevo paso la tecnología se siente involucrada. Es sorprendente la manera en que los artistas crean, con sus obras, proyectos y experimentos, nuevos mundos o mas bien, dan a conocer mundos ocultos que antes no se apreciaban o no les dábamos suficiente atención. Los artistas de hoy, no dejan de sorprender, al igual que sus antecesores, buscan su vinculación con el mundo que los rodea. Su verdad está en el sonido. El sonido es una fuente de inspiración directa. Como dice Brandon Labelle en la entrevista realizada por Escoitar.org: la voz y la identidad esta interconectadas. La voz es una clase de sonido primario, es el sonido más central que todos hacemos para intentar expresar nuestro ser y también conectar con los demás. La actuación de la voz es nosotros, como mi voz soy yo, y al mismo tiempo mi voz está separada de mi, y siempre tenemos la sensación de que no conocemos realmente nuestra voz. Uso mi voz para expresar quien soy.
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Bibliografía Complementaria Páginas web
http://www.Juanjopalacios.com http://www.Circuittorcat.com http://www.rtve.es/noticias/20100521/atmosfera-se-vuelve-a-verse-artesonoro/331794.shtml http://www.lacasaencendida.es http://www.catpaisatge.net/paisatgesonor/ http://www.fonik.dk/works.html
Videos Youtube
http://www.futureofsound.org/24.shtml http://www.youtube.com/watch?v=OdmSMF2rYZE ( Pierre Yves Martel ) http://www.youtube.com/watch?v=JplIwf7uwzo ( Lali Barrière ) http://www.youtube.com/watch?v=7HqYcYmiVjE ( Juan Matos Capote ) http://www.youtube.com/watch?v=cshJEma8LPU (Tom Chant & Javier García, impro 2b L'Hospitalet, 26-I-2010)
http://www.youtube.com/watch?v=m4JJa2CWql4 (Stephan Mathieu + Taylor Deupree – Largo)
http://www.youtube.com/watch?v=uT89xiohYmc&feature=related (Solo Andata Look for me me here)
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http://www.youtube.com/watch?v=iKoN9yCXbpA&feature=related (RippertonFarra)
http://www.youtube.com/watch?v=jQTGCD9VyAo (Brandon Labelle entrevistado por Escoitar.org. Cartografias de la Escucha Sonido y Lugar Part 1)
http://www.youtube.com/watch?v=eT7pcfeLIWY (Brandon Labelle entrevistado por Escoitar.org. Cartografias de la Escucha Sonido y Lugar Part2)
http://www.youtube.com/watch?v=0lVqsdMP3dc&feature=related (John Levack Drever entrevistado por Escoitar.org. Cartografías de la Escucha Sonido y Lugar. Part2(
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