El formalismo y el desarrollo de la historia del arte El formalismo y la autonomía del arte A mediados del siglo XIX surgen en Alemania los autores formalistas. En ellos, hallamos un claro rechazo de la teoría hegeliana del arte y de las estéticas románticas y una aproximación al neokantismo. Para Hegel, la historia del arte es la historia de la manifestación sensible del espíritu. Según esto, lo importante en una obra es su contenido, por tanto, lo espiritual en ella, liado al concepto, se considera en contraposición a la forma, su aspecto sensible. Los formalistas rechazan la idea de que lo espiritual se defina como opuesto a lo sensible. sensible. Este rechazo se concreta hacia una concepción heterónoma del arte: en este sentido, la finalidad del objeto artístico sería provocar una experiencia sentimental de la naturaleza o de la interioridad (base de la teoría romántica del arte). Es aquí donde aparecen las ideas de Kant: como base de una explicación de lo artístico como actividad autónoma y de la experiencia estética como experiencia de lo formal en los objetos artísticos. El Formalismo busca para la historia del arte como disciplina científica criterios de identidad que le sean propios. Intentan que la historia del arte no sea la crónica de acontecimientos culturales, sino la historia de un objeto propio, cuya evolución depende de su propio concepto. El poder concebir la obra de arte de forma autónoma, implica hacer posible una historia interna y autónoma del arte. Esto permitiría reconocer la obra de arte con independencia de la función social que cumpla y también de la experiencia que provoque. Existen diferentes escuelas formalistas, sin embargo, para todos ellos, la historia del arte deja de ser considerada un epifenómeno de la historia política, de la ciencia o de la técnica. Es la historia interna del arte, de cada una de las artes en particular. Su objeto de estudio es el desarrollo de la forma, considerada como lo específicamente artístico, en sus diferentes manifestaciones. Este desarrollo tiene los principios de evolución en sí mismos y no en causas ajenas. Esto ha causado una influencia en lo contemporáneo. Lo mismo se debe a que las ideas coincidían en gran medida con los que guiaron la práctica artística de la Vanguardia: elaboran una crítica del naturalismo artístico que coincide con la práctica impresionista en la valoración del rol activo del espectador por ejemplo. Por otro lado, la vanguardia y el formalismo teórico coinciden en que la autonomía artística se concibe en términos de autonomía formal. El formalismo es uno de los presupuestos teóricos más importantes del arte del siglo XX. El formalismo musical Eudard Hanslick fue el mayor representante del Formalismo musical. Escribió “De la belleza musical” (1854) como una reacción frente al expresionismo e xpresionismo teórico y al romanticismo que dominaban el panorama musical de ese momento. Defiende para la música el rasgo básico de la experiencia estética kantiana: la anticonceptualidad (denuncia la música con tema y con programa). Se opone a la consideración de la música como el arte cuya esencia consiste en crear emociones. Su concepción defiende también el desinterés en relación con la música. La música sería la relación de formas sonoras, de libres configuraciones y juegos de sonidos, una instancia genuina de belleza libre, en la que nada natural se mimetiza y nada conceptual se expresa. La belleza musical, una belleza autónoma, que no necesita un contenido exterior a sí misma, que consiste únicamente en tonos y en su combinación artística. Dice también que la música no no es poesía ni pintura auditiva, su autonomía no se re fiere sólo a su emancipación del contenido o de la representación del mundo, sino también del resto de las actividades artísticas. El formalismo visual
Junto a Fiedler (uno de los principales Formalistas), se encuentran Marées y Hildebrand. Marées escribió algunas notas expresando su rechazo de la teoría romántica del arte como emoción y efusión con la naturaleza, el pensaba que el artista debía seguir una intención artística visual que el encontraba manifiesta en la obra de arte clásica. Por su lado, Hildebrand divulgó las ideas de Fiedler en “El problema de la forma en la obra de arte” (1893). Según el, las leyes de la forma gobiernan el mundo del arte pasado, son eternas e inmutables. La obra de arte sería la expresión de una visión de la naturaleza, que se concretiza en una forma determinada. La misma, goza de una unidad y coherencia independiente del espectador y sus perspectivas. Entonces, la representación artística más lograda sería aquella en la que se da la mayor unidad entre forma y apariencia. Hildebrand distingue ente la forma real (la que poseen las cosas independientemente de ser percibidas) y la forma activa (la que depende de las condiciones de percepción del objeto, que son relativas al espectador y a su punto de vista, a la iluminación, etc.). El problema del artista consiste en ser capaz de crear una representación en la cual la forma activa tenga una significación ganada a la mera forma real de los objetos. El valor de lo artístico es entonces la creación de una representación de la pura apariencia, la creación de una apariencia significativa cuyo valor es autónomo. La historicidad de la forma Riegl: “la voluntad artística” Para el, la historia del arte es universal, ya que sus principios lo son. La actividad artística es en toda época y lugar la realización de una “voluntad artística”. La evolución de esa voluntad es la causa de los cambios en los estilos, los movimientos o las épocas artísticas. El principio del arte es siempre el mismo: una voluntad artística que se expresa de distintos modos. Esta noción, él la aplica a sus estudios históricos sobre evolución de las formas. Cada estilo, cada técnica, cada género, expresa de un modo peculiar una voluntad artística. Esta voluntad, convertida en a prioir determina en cada caso una forma distinta de ver el mundo. Entonces, la producción artística es expresión de una determinada percepción del mundo. Cuando analiza diferentes períodos, tiene en consideración los problemas artísticos asi como los conceptos estéticos o la mentalidad de la época, lo que permite reconstruir la que sería la voluntad artística del artista particular. Wollflin: “los principios del arte” Wollflin es el autor formalista más conocido. Su intención es encontrar los principios de interpretación de la obra de arte en particular y de la historia en general. El afirma “es preciso que la ciencia histórica se entienda como una historia psicológica del desarrollo”. El problema general se formularía en términos de cómo influye nuestra estructura física y psíquica en la aprehensión del mundo exterior. La noción de empatía completa esta concepción de la interacción de sujeto y objeto en el acto perceptivo. Según la teoría de la empatía, la percepción no consistiría en el registro pasivo de estímulos, sino que, al percibir proyectamos sobre el objeto elementos que pertenecen a nuestro ánimo. Los sentimientos, actitudes y valores propios son reconocidos en el objeto exterior. Se ha acusado a Wolfflin de confundir la historia del gusto con la historia de los estilos porque no explica suficientemente cómo un cambio en la percepción supone también un cambio en la producción. En su libro “Conceptos fundamentales de la historia del arte” identifica cuatro ejes en los que se polarizan las diferentes actitudes y formas de visión artística. Entre un polo y otro según cada parámetro se da la evolución artística. Las cinco oposiciones se dan entre lo lineal y lo pictórico, lo
superficial y lo profundo, la forma abierta y la cerrada, lo múltiple y lo unitario y lo claro y lo indeterminado. Los períodos opuestos (clásicos y barrocos) tendrían los valores opuestos también. En la misma obra, también aparece la idea de que el cambio de estilo ha de buscarse fundamentalmente en cambios de visión: “todo el proceso de cambio de representación ha sido sometido en su latitud a cinco grandes conceptos. Se los puede llamar “categorías de la visión”. Cada polo debe entenderse como una categoría perceptiva, cada estilo como una “manera de ver” el mundo. Por último, la historia de los estilos es la historia de las visiones del mundo, el arte la expresión de la percepción, la actividad artística el perfeccionamiento de cada una de las visiones. Este es uno de los mayores aportes del formalismo a la historia del arte: el reconocimiento de que la visión tiene una historia. “La capacidad de ver tiene también su historia, y el descubrimiento de esos “estratos ópticos” ha de considerarse como la tarea más elemental de la historia artística”:
