Drama berasal daripada perkataan “Dran” (bahasa Greek Kuno) yang bermaksud “to act” atau melakonkan/ melakukan aksi . . Teater pula berasal daripada perkataan “teatheron” iaitu tempat di mana sesebuah drama dipersembahkan. Shakespeare mengistilahkan drama sebagai kehidupan manusia itu sendiri. Baginya dunia ini adalah pentas, manakala manusia adalah pelakonnya. Hubungan drama dengan pendidikan bahasa adalah amat rapat.Pada kebiasaannya kanak-kanak mempelajari bahasa melalui peniruan dan pengetahuan yang diperolehi daripada persekitaran mereka. Drama juga suatu peniruan daripada kejadian sebenar yang berlaku dan dialami dalam hidup manusia sehari-hari lalu dipentaskan untuk ditonton. Drama menuntut seseorang berkomunikasi dengan berkesan secara bersuara atau tanpa suara yang juga melibatkan pertuturan, aksi dan ekspresi yang tepat bagi menyampaikan mesej kepada pendengar atau penonton. Ini pastinya memerlukan kecekapan berbahasa yang tinggi.Oleh itu dengan melakukan aktiviti drama di bilik darjah, murid bukan sahaja dilatih menggunakan bahasa secara autentik, malahan mereka dilatih supaya lebih yakin bertutur dengan baik di hadapan khalayak.
Tujuan drama dalam pengajaran Bahasa Melayu
menghubungkaitkan menghubungkaitkan pembelajaran dengan situasi sebenar di luar bilik darjah pembelajaran menjadi lebih bermakna dan berkesan melatih pelajar berkomunikasi secara berkesan mengikut situasi membina sikap bekerjasama dan bertoleransi membentuk disiplin diri dan amalan hidup bermasyarakat meningkatkan keyakinan diri berhadapan dengan khalayak meningkatkan kemahiran berfikir kritis dan kreatif memupuk semangat cinta akan budaya bangsa sendiri
menggalakkan aktiviti aktif dan pembelajaran secara kolaboratif dankoperatif yang berpusatkan pelajar mempelbagaikan teknik pengajaran dan menggalakkan pembelajaranyang lebih ceria serta menyeronokkan pelajar membimbing murid dengan pembelajaran kendiri dan penilaian kendiri menanamkan sikap positif dan mengamalkan nilai-nilai murni
Model Pengajaran Bahasa Melayu Melalui Drama
Untuk melaksanakan pengajaran dan pembelajaran yang berkesan dan sistematis, enam komponen penting serta alasan-alasan memasukkannya perlu diambil kira. Model ini digunakan oleh unit drama Institut Bahasa setelah dicubakan selama 7 tahun. Model Drama IB ini diubahsuai berdasarkan model Wessels (l987), iaitu;
Kemahiran Bahasa Melalui Drama
Aktiviti drama boleh melatih murid dalam pelbagai kemahiran. Murid dapat dilatih bertutur dengan sebutan yang jelas, lancar ,intonasi dan nada yang sesuai serta berkesan. Komunikasi bukan sahaja melibatkan pertuturan (verbal) malahan aspek bukan verbal seperti ekspresi,mimik dan gerak tubuh atau ‘gesture’ juga ‘gesture’ juga amat penting dalam menentukan makna. Ini bertepatan dengan objektif utama kemahiran lisan dalam sukatan pelajaran Bahasa Melayu Kurikulum Bersepadu Sekolah Rendah (KBSR) iaitu;
“
mendengar dan memahami pertuturan dan siaran yang terdapat di dalam
kehidupan sehari-hari sama ada di dalam atau di luar sekolah, bertutur dan
menggalakkan aktiviti aktif dan pembelajaran secara kolaboratif dankoperatif yang berpusatkan pelajar mempelbagaikan teknik pengajaran dan menggalakkan pembelajaranyang lebih ceria serta menyeronokkan pelajar membimbing murid dengan pembelajaran kendiri dan penilaian kendiri menanamkan sikap positif dan mengamalkan nilai-nilai murni
Model Pengajaran Bahasa Melayu Melalui Drama
Untuk melaksanakan pengajaran dan pembelajaran yang berkesan dan sistematis, enam komponen penting serta alasan-alasan memasukkannya perlu diambil kira. Model ini digunakan oleh unit drama Institut Bahasa setelah dicubakan selama 7 tahun. Model Drama IB ini diubahsuai berdasarkan model Wessels (l987), iaitu;
Kemahiran Bahasa Melalui Drama
Aktiviti drama boleh melatih murid dalam pelbagai kemahiran. Murid dapat dilatih bertutur dengan sebutan yang jelas, lancar ,intonasi dan nada yang sesuai serta berkesan. Komunikasi bukan sahaja melibatkan pertuturan (verbal) malahan aspek bukan verbal seperti ekspresi,mimik dan gerak tubuh atau ‘gesture’ juga ‘gesture’ juga amat penting dalam menentukan makna. Ini bertepatan dengan objektif utama kemahiran lisan dalam sukatan pelajaran Bahasa Melayu Kurikulum Bersepadu Sekolah Rendah (KBSR) iaitu;
“
mendengar dan memahami pertuturan dan siaran yang terdapat di dalam
kehidupan sehari-hari sama ada di dalam atau di luar sekolah, bertutur dan
mengeluarkan buah fikiran dengan menggunakan berbagai-bagai keadaan perhubungan seperti perbualan dengan rakan-rakan, guru, ibu bapa dan sebagainya, serta dalam majlis bahas, syarahan dan lain-lain” lain-lain”
Antara aktiviti-aktiviti yang boleh dijalankan dijalankan ialah;
Kemahiran Lisan (mendengar dan bertutur)
latihan mendengar untuk menyediakan murid belajar bunyi bahasa seperti bunyi yang biasa dengan persekitaran murid dan bunyi yang mencetuskan imaginasi latihan mendengar secara berbisik, laungan ,jeritan dan mendengar mengikut suasana kesediaan mendengar melalui latihan mental dan fizikal (hening diri) serta penggunaan indera latihan pemilihan bahasa dan alat dengan aktiviti menggunakan rentak, gerak, nada dan irama aktiviti menyebut perkataan-perkataan dengan latihan penyebutan, kelancaran, nada, jeda, pemintal lidah, projeksi suara, latihan pernafasan, latihan menyebut mengikut kesesuaian situasi dan laras bahasa. aktiviti-aktiviti
memos
(aksi
tanpa
suara)
yang
melibatkan
latihan
ekspresi/mimik, gesture(gerak tubuh) , isyarat dan fungsi indera Aktiviti-aktiviti ini boleh dilaksanakan dengan mewujudkan beberapa situasi yang sesuai dan latihan lisan melalui ;
dialog telefon
temu bual/wawancara jual beli bercerita mesyuarat forum Contoh : lihat aktiviti pengajaran dan pembelajaran
Kemahiran Membaca
Aktiviti drama juga dapat melatih kemahiran membaca secara mekanis dan mentalis.Ini dapat dilakukan dengan latihan membaca teks atau skrip melalui;
Teater Pembaca Teater Bercerita Dialog drama radio, televisyen dan teater Aktiviti drama juga juga dapat melatih melatih pelajar membaca membaca dan menjana idea daripada bahan yang dibaca serta meningkatkan kamahiran KBKK . Aktiviti drama yang sesuai deigunakan ialah;
improvisasi permainan drama pantomim Bahan bacaan yang sesuai untuk digunakan sebaiknya bahan yang
mempunyai unsur dramatik
ada cerita yang boleh diaksikan ada penyepaduan ilmu dan penyerapan nilai murni dapat menarik minat murid mencabar minda/pemikiran bersesuaian dengan aras atau tahap keupayaan/ kebolehanmurid contoh: lihat aktiviti pengajaran dan pembelajaran
Kemahiran Menulis
Kemahiran
menulis
memerlukan
murid
menguasai
pengetahuan
dan
kemahiran tatabahasa . Namun, tanpa pemikiran yang kritis dan kreatif, murid tidak dapat menghasilkan penulisan yang baik. Penulisan yang baik bukan sahaja ditentukan dengan tatabahasa yang betul, tetapi isi atau idea yang disampaikan juga tidak kurang pentingnya. Aktiviti drama dapat membimbing murid berfikir secara kritis dan kreatif dalam menjana idea dan mencetuskan daya imaginasi yang tinggi dalam menghasilkan karangan.
Latihan menulis yang boleh dijalankan melalui aktiviti drama ialah;
menulis berdasarkan aktiviti improvisasi, main peranan dan simulasi bagi menjana minda serta menyusun isi cerita
permainan drama bagi merangsang imaginasi Bahan pengajaran dan pembelajaran yang digunakan sebaiknya;
dapat merangsang idea dan indera mempunyai kesinambungan isi sesuai dengan aras dan tahap kebolehan murid dapat mengintergrasikan ilmu, kemahiran dan penyerapan nilai merangsang pemikiran kritis dan kreatif dipelbagaikan dan menepati kehendak objektif mencabar Contoh : lihat aktiviti pengajaaran dan pembelajaran
Aktiviti Pengajaran dan Pembelajaran Bahasa Melayu melalui drama;
Main Peranan dan Simulasi
Aktiviti yang melibatkan pelajar/murid memainkan peranan atau melakonkan watak mengikut ciri-ciri dan senario yang digambarkan.Simulasi pula adalah suatu aktiviti yang berasaskan situasi yang diwujudkan hampir menyerupai keadaan sebenar. Pemain peranan perlu berinteraksi bedasarkan peranan masing-masing bagi membuat keputusan, menyelesaikan masalah, isu atau tugasan tertentu.
Main Peranan dapat meningkatkan kemahiran;
menjana minda membuat keputusan/ menyelesaikan masalah menganalisis, membuat sentesis dan menilai maklumat berkomunikasi mengikut kesesuaian perwatakan atau peribadi
watak/peranan yang digambarkan serta serasi dengan situasi yang dihadapi
melatih pelajar/murid supaya lebih berpandangan terbuka, objektif serta melihat sesuatu dari pelbagai perspektif mengenal diri sendiri lebih dekat dan bersikap lebih toleransi Peranan Guru dalam mengendalikan aktiviti Main Peranan dan Simulasi guru sebagai penggerak, pengarah, perancang, pentadbir,penunjuk cara dan fasilitator guru dapat merancang masa dan boleh mengubah suai aktivitimengikut keperluan seharusnya dapat memberikan perhatian dan menarik tumpuanmurid terhadap pelajaran dapat menguruskan bilik darjah dengan baik dan mewujudkansuasana kelas yang kondusif dapat membimbing murid dengan pembelajaran secara individu,berpasangan dan berkumpulan dan berpusatkan murid menguasai teknik penyoalan dengan terancang dan dapat menjana idea murid Improvisasi
Improvisasi ialah aktiviti lakonan spontan dalam situasi yang tidak dirancang. Ia boleh mengisahkan sesuatu kejadian atau situasi dalam kehidupan harian atau imaginasi. Pelajar berperanan mencipta dialog dan melakukan sesuatu aksi secara spontan mengikut atahan yang ditetapkan atau berdasarkan daya imaginasi atau kreativiti mereka sendiri. Aktiviti improvisasi dapat menjadi satu latihan untuk meningkatkan daya imaginatif dan kreatif pelajar dalam menggunakan bahasa yang baik dan berkesan. Aktiviti ini juga dapat melatih pelajar sentiasa bersedia memberikan tindak balas spontan apabila diperlukan. Improvisasi juga dapat meningkatkan daya penghayatan pelajar agar lebih peka terhadap objek, situasi dan peranan yang ditentukan.
Beberapa jenis/ aktiviti improvisasi
Improvisasi berdasarkan situasi -teknik ini boleh dijalankan untuk semua peringkat umur atau aras kebolehan walaupun situasi yang sama
contoh 1 : situasi di sebuah kedai mainan kanak-kanak . Suatu malam semua mainan (patung orang, anjing, beruang dan lain-lain) bercakap sesama mereka.
Arahan: berbual sesama sendiri supaya pelajar lain dapat meneka siapakah anda?
contoh 2 : seorang murid baru pindah ke sekolah anda dan ditempatkan di kelas anda. Pada waktu rehat, semua pelajar ke kantin dan tempat permainan. Bagaimana anda semua melayaninya?
Improvisasi berdasarkan objek -teknik menggunakan objek tertentu bagi merangsang pelajar
bertutur dan
melakukan sesuatu.
6.1 Drama
Melakukan pergerakan dan melakonkan aksi - Antara hujah yang pernah disebut oleh Emile Jaques Dalcroze mengenai pergerakan adalah “pergerakan merupakan salah satu cara untuk mengungkap perasaan melalui muzik”. Beliau juga memerhatikan bahawa walaupun kadang-kala kanak-kanak tidak
boleh bertepuk dan menyanyi mengikut rentak, namun mereka boleh berjalan atau berlari mengikut rentak. Menerusi hujah yang telah ditulis oleh Dalcroze, bahawa apa yang telah dihujahkan itu sebagai perkara yang benar Melalui pertunjukan pergerakan kreatif yang dipersembahkan, dapat mengenalpasti bahawa kanak-kanak akan mula memberi tindak balas positif apabila mereka mendengar muzik dan melihat pergerakan kreatif yang telah dipersembahkan di hadapan mereka.
Apabila watak seperti nenek kebayan atau penjaga hutan sedang keluar secara misteri dan kemudiannya menari ketika muzik dimainkan, kanak-kanak mula menunjukkan respon dengan ketawa lalu menari dan menepuk tangan bersama-sama ketika menjadi penonton. Mereka mula merasai keseronokan ketika nenek kebayan menari mengikut rentak muzik yang rancak.Melalui apa yang dilihat di dalam persembahan ini, ia jelas menunjukkan bahawa setiap emosi yang dipamerkan menerusi pergerakan akan membantu kanak-kanak dalam mengekspresikan perasaan mereka. Mereka mula mengetahui mengenai emosi yang wujud dalam diri mereka seperti perasaan gembira, marah, keliru dan sedih. Melalui pergerakan kreatif yang telah dipersembahkan telah dapat member banyak perangsang dan peluang kepada kanak-kanak di dalam melahirkan dan mengekspresikan emosi mereka kerana melalui emosi yang lahir dari dalam diri kanak-kanak tersebut telah memudahkan guru-guru prasekolah untuk mengenalpastiseterusnya membimbing setiap perlakuan kanak-kanak tersebut. Vokal
Kemahiran vokal diperlukan oleh seorang pelakon yang menggabungkan penggunaan suara untuk pentas dan lantunan vokal yang berirama. Kematangan dalam menggunakan vokal terselah apabila lontaran suara nampak sesuai dengan pelakonnya.
Latihan kemahiran menginterpretasi
dibentuk dengan pembacaan naskhah sesorang pelakon.
Mengapa vokal penting bagi seseorang pelakon? Ini kerana mereka perlu:
menggunakan suara dan peringkat suara ketika persembahan menyebut huruf serta mengucapkan ayat dengan jelas, padu, mantap dan kuat berdialog mengikut kesesuaian watak dan situasi
Mengaplikasi teknik vokal dan dinamik suara (ton, intonasi, diksi dan artikulasi) dengan teknik berikut:
pengawalan pernafasan kelancaran pengucapan postur fizikal
Pengucapan terbahagi kepada 4 jenis iaitu
pengucapan dinamika - penekanan kepada kata membawa maksud/pengertian tertentu pengucapan tempo - memanjangkan kata untuk menimbulkan kesan keadaan, tempat, suasana dan kejadian yang bagaimana pengucapan nada/tone - mengungkap suasana/keadaan, harapan atau kejadian yang berlaku yang dilontarkan pengucapan pic - pengucapan pic bagi meninggikan suara atau merendahkan suara untuk menggambarkan keadaan yang sedang berlaku/suasana tempat
Artikulasi - kejelasan menyebut kata dengan menitikberatkan kepada membunyikan huruf vokal dan huruf konsonan untuk menghasilkan suku kata.
Intonasi - mencipta naik turun suara sesuai dengan keadaan, suasana dan tempat berlaku
Jenis pernafasan Pernafasan dada Pernafasan perut \1. Improvisasi
Improvisasi dalam teater membawa maksud mengubah, membaca, mengucap atau melakukan sesuatu tanpa persiapan. Perlakuan yang dihasilkan secara tiba-tiba, secara bebas dan bersahaja sama ada dengan menggunakan alatan atau tanpa peralatan. Improvisasi terbahagi kepada 4 jenis iaitu:
Improvisasi alat Improvisasi pergerakan Improvisasi kepekaan deria Improvisasi situasi 2. Gerak
Gerak dalam teater bermaksud meneroka dan melahirkan ekspresi melalui aktiviti seperti:
Gerak alam Gerak meniru
Pergerakan merangkumi pelakuan-pelakuan keluar, masuk, menyeberang, duduk, bangun, naik turun tangga, berlari, melompat di atas pentas dan sebagainya.
Tujuan pergerakan ialah untuk:
mencantikkan produksi dan pementasan menarik perhatian penonton kepada watak atau ruang tertentu mengubahsuaikan adegan kelompok individu atau watak tertentu supaya tidak kaku dalam lakonan menarik perhatian penonton kepada ruang lakon tertentu menonjolkan emosi watak dan pelakon menonjolkan latar belakang pentas dan juga suasana adegan mengimbangi ruang pentas atau ruangan lakonan tujuan teknikal untuk membaiki komposisi Contoh Gerak dalam teater.
3. Penceritaan
Penceritaan atau kemahiran bercerita perlu untuk difahami oleh seseorang pelakon agar keyakinan diri seseorang dapat dibentuk semasa berhadapan dengan khalayak ramai.
Selain itu,
pelakon mampu meneliti dan
menginterpertasi bahan penceritaan yang disampaikan serta mampu mengaplikasi teknik dan kemahiran teater dalam penceritaan. Teknik dan gaya penceritaan yang biasa digunakan ialah dengan menggunakan kaedah monolog dan monodrama.
Sinopsis 1. 2.
Ringkasan cerita lebih kurang 100 -150 patah perkataan. Mengandungi huraian cerita mengikut urutan masa berdasarkan plot.
Tema dan Persoalan 1. 2.
Tema ialah persoalan utama yang diungkapkan dalam sesuatu karya, sama ada secara langsung (eksplisit) atau tidak langsung (implisit). Persoalan bermaksud perkara-perkara sampingan atau isi yang lebih kecil yang ada hubungannya dengan tema sesuatu karya.
Watak dan Perwatakan Watak ialah pelaku atau tokoh dalam sesuatu karya yang menggerakkan cerita dengan cara berinteraksi sesama watak dan alam. 2. Perwatakan pula ialah pelukisan tentang watak dari aspek luaran dan dalaman. watak itu boleh dilakukan secara 3. Pelukisan langsung atau secara tidak langsung olen pengarang melalui aksi, tutur kata, atau watak-watak berkenaan. 4. Dalam sesuatu cerita lazimnya terdapat istilah yang berkaitan dengan aspek watak, iaitu watak utama, watak sampingan, watak bundar, watak pipih, watak dinamik, watak statik, protagonis dan antagonis. 5. Sifat perwatakan digambarkan melalui tindak-tanduknya, cara berfikir, cara bercakap, rupa paras, fizikalnya, kepercayaannya dan ideologi, serta gambaran perasaan seseorang atau watak itu. 6. Watak pipih lazimnya tidak kompleks, tidak berkembang, dan tidak memeranjatkan pembaca. 7. Watak bulat amat menarik kerana watak jenis ini menuju ke pelbagai arah sama ada menambah pengalamannya, mengubah sikapnya, dan fizikalnya. 8. Watak dinamik ialah watak yang mengalami pelbagai konflik, persoalan, dan permasalahan dari awal hingga akhir. 9. Watak statik atau kaku tidak mengalami apa-apa perubahan, perkembangan, dan tidak bergerak. 10. Watak yang berperanan amat penting disebut watak utama. Watak yang kurang penting dalam cerita disebut watak sampingan. 11. Watak protagonis ialah watak utama dalam sesebuah cereka. Watak ini tidak semestinya orang yang baik, tampan, dan berperikemanusiaan. Dia mungkin diktator, koruptor, penjenayah, dan sebagainya. Watak antagonis menjadi penentang atau lawan kepada watak protagonis. 12. Walaupun begitu, untuk kajian komsas, hanya watak utama dan watak sampingan yang diberikan tumpuan. 1.
Plot Binaan plot: Plot ialah sesuatu yang menghubungkan peristiwaperistiwa dalam sesebuah cerita. Setiap penstiwa dari awal hingga akhir berdasarkan hukum sebab dan akibat. 2. Plot mengemukakan perkara yang terjadi dan sebab perkara itu terjadi. Setiap perkara berhubungan berdasarkan faktor-faktor sebab dan akibat. 3. Susunan cerita bergantung pada fantasi dan kreativiti pengarang. Plot dirangka dengan teliti dan tidak semestinya berurutan peristiwanya dari awal hingga akhir atau kronologi. Plot ialah penyusunan kronologi yang diubah suai mengikut kemahuan pengarang. penyusunan plot yang menarik ialah 4. Teknik penyusunan peristiwa secara tidak kronologi. Pengarang haruslah cekap, kreatif, dan bijaksana menyusunnya sehingga mencapai peleraian. plot ialah peringkat permulaan 5. Permulaan (eksposisi), iaitu untuk memperkenalkan watak-watak, latar, dan suasana. 6. Perkembangan plot mengakibatkan konflik. 7. Peristiwa berkembang kepada peringkat pertengahan cerita, iaitu perumitan (komplikasi). 8. Perumitan menuju kepada puncak (klimaks) apabila tercapainya konsentrasi yang maksimum. 9. Kemudian urutan cerita menuju kepada peleraian. Kadangkadang puncak dijadikan pengakhiran cerita bagi sesetengah cereka. 1.
Teknik Plot: Teknik plot ialah cara pengarang mengembangkan plot ceritanya supaya menarik. 2. Antara teknik plot termasuklah seperti yang berikut: 1.
(a)
Imbas kembali 1.
Imbas kembali merupakan suatu teknik pengarang mengenang semula peristiwa yang pernah dialaminya. 2. Peristiwa itu boleh diimbas kembali melalui pemerian pengarang atau khayalan, dialog, monolog, atau monolog dalaman
(b)
Imbas muka 1.
2.
(c)
Saspens 1.
(d)
Imbas muka merupakan cara pengarang memberikan bayangan awal atau ramalan tentang sesuatu peristiwa yang akan berlaku kesan daripada aksi-aksi watak dalam cerita berkenaan. Imbas muka dapat mewujudkan keyakinan dalam kalangan pembaca terhadap sesuatu yang akan berlaku.
Saspens atau ketegangan ialah peristiwa dalam cerita yang menimbulkan keadaan tertanya-tanya atau perasaan ingin tahu di kalangan pembaca tentang peristiwa yang akan berlaku selanjutnya.
Konflik 1.
Konflik merupakan pertentangan antara dua pihak atau dua kekuatan dalam satu urutan plot.
Konflik boleh berlaku secara dalaman, iaitu konflik dalam diri watak dan secara luaran, iaitu antara watak dengan watak yang lain atau antara watak dengan alam sekitar. 3. Konflik dapat juga digambarkan melalui pertentangan pendapat, idea, sikap, atau pemikiran? 2.
(e) Kejutan 1. 2.
Kejutan ialah perubahan dalam urutan peristiwa yang berlaku secara tiba-tiba tanpa diduga oleh pembaca. Lazimnya, kesan yang timbul daripada kejutan tidak sama dengan yang diduga oleh pembaca.
(f) Dialog 1. 2.
Dialog merupakan pertuturan antara dua watak atau lebih daripada dua watak. Melalui dialog antara watak-watak inilah biasanya tergambar pendapat atau fikiran yang berkaitan dengan tema.
Latar Latar berperanan memberikan suasana kepada peristiwa dan manusia yang terdapat dalam cerita. Latar penting dalam mengembangkan tema, persoalan, plot, watak, dan perwatakan. Idea, plot, dan watak akan lebih hidup jika berada dalam situasi pelbagai latar. Latar merangkumi pelukisan geografi, topografi, pemandangan, bangunan, peralatan, tanggungjawab watak, waktu, dan sebagainya. Latar terbahagi kepada empat jenis, iaitu: (a) Latar tempat Merupakan ruang atau tempat berkaitan dengan lokasi geografi. (b ) Latar waktu atau masa
peristiwa berlaku yang
Menunjukkan masa peristiwa berlaku seperti zaman, era, sejarahnya, atau musimnya. (c) Latar masyarakat atau citra masyarakat Menunjukkan gambaran keadaan masyarakat dalam cerita merangkumi bangsa atau etnik, status dan kehidupan sosial, ekonomi, dan sebagainya yang bersesuaian dengan watak. (e) Latar peralatan cerita dan watak Alatan yang digunakan oleh watak dalam sesebuah cerita.
Sudut Pandangan (Aspek pilihan sahaja) Sudut pandangan berperanan untuk mengisahkan sesuatu cerita dan menjelaskan pihak yang men-ceritakan sesuatu kisah. Maka sudut pandangan mempunyai hubungan yang erat dengan watak. Menurut Anwar Ridhwan (1985), sudut pandangan ialah cara bagaimana pembaca dihidangkan dengan bahan cerita atau bagaimana pengarang memilih cara yang terbaik untuk menyampaikan ceritanya. Teknik sudut pandangan: (a) Sudut pandangan orang pertama Pengarang bercerita sendiri atau terlibat dalam cerita sebagai watak utama atau watak sampingan. Sudut pandangan ini disebut sebagai gaya aku, iaitu cerita itu dibawakan seluruhnya oleh watak aku, orang pertama, secara subjektif. Maknanya pengarang terlibat secara aktif. Teknik ini digunakan untuk menjadikan cerita lebih realistik. (b)
Sudut pandangan orang ketiga tidak terbatas (serba tahu) Kerap digunakan oleh pengarang yang mengisahkan ceritanya melalui watak lain menggunakan kata ganti nama diri ketiga, iaitu dia dan mereka atau lengkap dengan nama. Pengarang bersikap serba tahu dan bebas bercerita untuk mengemukakan emosi, fikiran, dan pergolakan jiwa watak-watak.
(c) Sudut pandangan orang ketiga terbatas Pengarang tidak menceritakan semua peristiwa atau watak tetapi hanya akan memilih watak-watak tertentu dan penceritaannya tertumpu kepada mereka. Watak-watak lain diceritakan serba sedikit sahaja. (d) Sudut pandangan objektif Pengarang hanya menceritakan segala sesuatu yang dilihat dan didengarnya (melapor) dan masih menggunakan kata ganti nama diri ketiga. Bezanya pengarang tidak terlibat dalam cerita. Maka pembaca berpeluang membuat penilaian sendiri terhadap cerita tersebut. Jenis Gaya Bahasa (a) Diksi
Huraiannya
(b) Ayat
(c) Personifikasi
(d) Simile
(e) Metafora
(f) Hiperbola
(g) Sinkope
Bermaksud pemilihan dan penyusunan kata-kata oleh pengarang daiam karyanya Harus memperlihatkan kesesuaian kata yang dipilih dengan tema dan persoalan, latar, watak, dan mesej Merujuk kepada cara pengarang membina dan menyusun ayat daiam karyanya, misalnya ayat pendek dan ayat panjang Dikenal juga sebagai perorangan atau penginsanan Membawa maksud tindakan pengarang memberikan sifat manusia, sama ada dari segi perasaan, perwatakan, atau tindak-tanduk kepada benda-benda mati, binatang, idea, atau hal-hal yang abstrak. Contohnya: ...matahari pagi bangkit daripad a selimut gunung, benaknya mendandan sejuta persoalan Merupakan perbandingan yang menggunakan kata konkrit (boleh dihitung) dengan kata abstrak (tidak boleh dihitung) Contohnya: perahu duka, ladang kesabaran Merupakan perbandingan secara terus atau lan gsung tanpa menggunakan kata-kata seperti, bak, umpama, ibarat, dan sebagainya Contohnya: samudera hampa, lautan fikiran Merupakan sejenis bahasa kiasan untuk menyatakan sesuatu secara berlebih-lebihan daripada maksud yang sebenarnya Contohnya: serihu lautan sanggup diharungi Bermaksud penyingkatan perkataan Contohnya: "Apa dah jadi ni?"
Jenis Gaya Bahasa (h) Rima
Huraiannya
(i) Asonansi
(j) Aliterasi
(k) Pengulangan
(l) Perlambangan
Bermaksud bunyi akhir suku kata pada tempat yang bersetentang antara dua baris atau lebih daripada dua baris daiam puisi Terdiri daripada rima awal, rima dalam, dan rima akhir Merupakan pengulangan bunyi vokal yang sama dalam baris-baris sajak Contohnya: pengulangan vokal “u” dalam baris Kerana aku penyair kupenuhi hidupku Bermaksud pengulangan bunyi konsonan yang sama dalam baris sajak Contohnya: pengulangan konsonan m dalam baris Memacu menghimpun kekuatan Berlaku pada kata, ungkapan, baris, atau rangkap yang diulang dalam sajak anafora - pengulangan kata pada awal baris secara berurutan. Contohnya:Tambah mengimbau sorotan kitab MUHAMMAD ! Tambah mengimbau sorotan kitab ESA ! epifora - pengulangan kata pada akhir baris. Contohnya: ...di pundakku ...had sepiku repitisi - pengulangan kata dalam baris yang sama. Contohnya, orang berbunga dia berbunga merupakan katakata yang digunakan untuk menerangkan s esuatu benda, keadaan, atau peristiwa yang membawa maksud yang lain atau maknanya lebih mendalam contohnya: senja melambangkan usia tua, pagi melambangkan usia muda
Nilai Antara contoh nilai ialah: Baik hati 2. Berdikari 3. Hemah tinggi 4. Hormat-menghormati 5. Kasih sayang 6. Keadilan 7. Kebebasan 8. Keberanian 9. Kebersihan mental dan fizikal 10. Kejujuran 1.
11. Kerajinan 12. Kerjasama 13. Kesederhanaan 14. Kesyukuran 15. Rasional 16. Semangat
bermasyarakat dan nilai-nilai lain yang bersesuaian.
Pengajaran Pengajaran ialah peringatan/pedoman/perutusan/amanat/mesejyang ingin disampaikan oleh pengarang dalam karyanya kepada pembaca/penonton. Dalam karya tradisional, ia disampaikan secara tersurat/secara langsung tetapi dalam karya moden, ia disampaikan secara tersirat/tidak langsung. Gunakan nilai sebagai asas untuk menjawab. Jika nilai positif , mulakan ayat jawapan anda dengan -
Kita hendaklah ……..
-
Kita seharusnya……. Jika nilai negatif , mulakan ayat jawapan anda dengan
-
Kita jangan….
-
Kita tidak boleh…. …diikuti dengan contoh dalam teks.
Persembahan pentas Blocking Yang Baik Dalam Teater BLOCKING
Yang dimaksud dengan blocking adalah kedudukan tubuh pada saat diatas pentas. Dalam permainan drama, blocking yang baik sangat diperlukan, oleh karena itu pada waktu bermain kita harus selalu mengontrol tubuh kita agar tidak merusak blocking. Yang dimaksud dengan blocking yang baik adalah blocking tersebut harus seimbang, utuh, bervariasi dan memiliki titik pusat perhatian serta wajar.
–
Seimbang
Seimbang berarti kedudukan pemain, termasuk juga benda-benda yang ada diatas panggung (setting) tidak mengelompok di satu tempat, sehingga mengakibatkan adanya kesan berat sebelah. Jadi semua bagian panggung harus terwakili oleh pemain atau benda-benda yang ada di panggung. Penjelasan lebih lanjut mengenai keseimbangan panggung ini akan disampaikan pada bagian mengenai “Komposisi Pentas “.
–
Utuh
Utuh berarti blocking yang ditampilkan hendaknya merupakan suatu kesatuan. Semua penempatan dan gerak yang harus dilakukan harus saling menunjang dan tidak saling menutupi.
–
Bervariasi
Bervariasi artinya bahwa kedudukan pemain tidak disuatu tempat saja, melainkan membentuk komposisi-komposisi baru sehingga penonton tidak jenuh. Keadaan seorang pemain jangan sama dengan kedudukan pemain lainnya. Misalnya sama-sama berdiri, sama-sama jongkok, menghadap ke arah yang sama, dsb. Kecuali kalau memang dikehendaki oleh naskah.
–
Memiliki titik pusat
Memiliki titik pusat artinya setiap penampilan harus memiliki titik pusat perhatian. Hal ini penting artinya untuk memperkuat peranan lakon dan mempermudah penonton untuk melihat dimana sebenarnya titik pusat dari adegan yang sedang berlangsung. Antara pemain juga jangan saling mengacau sehingga akan mengaburkan dimana sebenarnya letak titik perhatian.
–
Wajar
Wajar artinya setiap penempatan pemain ataupun benda-benda haruslah tampak wajar, tidak dibuat-buat. Disamping itu setiap penempatan juga harus memiliki motivasi dan harus beralasan.
Dalam drama kontemporer kadang-kadang naskah tidak menuntut blocking yang sempurna, bahkan kadang-kadang juga sutradara atau naskah itu sendiri sama sekali meninggalkan prinsip-prinsip blocking. Ada juga naskah yang menuntut adanya gerak-gerak yang seragam diantara para pemainnya.
Komposis pentas adalah pembagian pentas menurut bagian-bagian yang tertentu. Komposisi pentas ini dibuat untuk membantu blocking, dimana setiap bagian pentas mempunyai arti tersendiri. Berikut ini adalah skema komposisi pentas.
7
8
9
4
5
6
1
2
3
PENONTON
Kadar kekuatan pentas dapat dilihat pada urutan nomornya. Bagian depan lebih kuat daripada bagian belakang. Bagian kanan lebih kuat daripada bagian kiri. Oleh karena itu jangan menempatkan diri atau benda yang kadar kekuatannya tinggi pada bagian yang kuat. Carilah tempat-tempat yang sesuai agar blocking kelihatan seimbang. Walaupun demikian harus tetap dalam batas-batas yang wajar, jangan terlalu dibuat-buat. Teknikal -Memahami keperluan hiasan latar (setting), kostum (busana), tatacahaya, tatarias supaya sesuai dengan konsep yang dipilih. -Bekerjasama dengan petugas-petugas produksi yang lain dengan berjumpa dan berbincang dengan pereka-pereka tentang konsep produksi. -Menetapkan apa yang dikehendakinya dan pereka-pereka mesti menyediakan perkara tersebut. -Mengadakan perjumpaan dengan pasukan teknikal dari semasa ke semasa untuk meninjau perkembangan setiap seksyen.
Sinografi Rekabentuk, rekacipta, rekaan artistik, latarhias, tatahias, tatacahaya, seni rupa, kostum; banyak lagi penamaan dan terminologi muncul dalam arena seni persembahan untuk menerangkan rekaan visual yang dapat dilihat dalam produksi seni persembahan seperti teater, tari, muzikal dan muzik. Sinografi adalah merupakan terminologi yang tepat untuk digunakan sebagai mewakili keseluruhan bentuk seni visual yang dapat dilihat dalam sesebuah produksi ini iaitu rekaan pentas dan kostum, pencahayaan, susunatur ruang lakon, penggunaan ruang untuk aktor termasuklah persekitaran rekabentuk dalaman sesebuah panggung: apa saja kesan visual yang dapat dilihat di dalam panggung tersebut. Kepentingan sinografi boleh dianggap sama setara dengan teks: bila dialog mencipta seni percakapan dan tingkahlaku di pentas, sinografi mencipta seni visualnya. Sinografi mengingatkan bahawa perkataan yang lahir dari sesebuah teks tidak cukup untuk menghuraikan dengan sempurna makna sesebuah persembahan. Terminologi ini sudah digunakan di Benua Eropah dan Amerika sejak tahun 1800 lagi. Sejak kewujudan teater di zaman Greek dan seterusnya, ke zaman Renaisance pakar sinografi telah berlumba-lumba merekacipta visual untuk memantapkan sesebuah pementasan teater.
Sinografer
Boleh dikatakan sebagai seorang arkitek selain dari pelukis. Beliau bukan sahaja mengambil berat tentang ruang pentas tetapi perkaitannya dengan ruang panggung keseluruhannya, bukan setakat membina dan mengecat set tetapi juga bunyi dan cahaya termasuk projeksi, bukan sahaja set yang statik tetapi berpotensi untuk digerakkan. Sinografer juga perlu mengambil perhatian tentang kemudahan dan teknologi terkini. Ini akan menjadikan sinografinya lebih ekspresif dan bertindak balas semana mungkin dengan kehendak naskah dan pengarah.
Josef Svoboda
Sinografer yang terkenal dalam perkembangan seni rekaan pentas, terutama pementasan yang menggunakan elemen multimedia. Lahir di Czechoslovakia pada 10 Mei 1920 dan terdidik sebagai seorang arkitek, kemudiannya dilantik sebagai Sinografer di Nasional Theatre di Prague pada tahun 1950an. Sejak itu, beliau terus mencuba pelbagai ekperimentasi dengan menggunakan bahan-bahan berteknologi dalam sinografinya. Beliau telah mencipta ruang persembahan yang begitu dinamik yang boleh ditukar dari masa ke semasa.
Ada beberapa projek persembahan yang dibuat oleh Josef menggunakan kombinasi di antara filem dan imejan litar tertutup disamping lakonan secara langsung di atas pentas. Di antara produksi yang cemerlang dilakukan oleh beliau adalah opera Luigi Nonno iaitu Intolorenza di Boston. Di samping persembahan aktor secara langsung di pentas, pada masa yang sama telah berlakunya persembahan secara rakaman di studio, persembahan secara rakaman di studio telah di pancarkan ke pentas yang jauhnya lebih dari 3 kilometer, pancaran telah dibuat melalui projeksi ke atas p entas.
“
When I sit alone in a theatre and gaze into the dark space of its empty stage,
I’m frequently seized by fear that this time I won’t manage to penetrate it, and I always hope that this fear will never desert me. W ithout an unending search for the key to the secret of creativity, there is no creation. It’s necessary always to begin again. And that is beautiful.” - Josef Svoboda.
Antara produksi yang dibuat oleh Josef berdasarkan penyatuan filem dan pentas termasuklah: a.
Insect Comedy (Czech National Theatre, 1946)
b.
Rusalka (Teatro Le Fenice, Vanice, 1958)
c.
LaSonambula (National Ballet, Amsterdem, 1964)
d.
The Storm (National Theatre, London, 1966) dll.
Rekabentuk dan Binaan Set Pementasan teater merangkumi beberapa cabang seni lain seperti seni rupa, seni muzik, seni suara dan seni tari. Dari aspek seni rupa, pementasan teater dibantu oleh rekaan dan binaan set, tatacahaya, kostum dan unsur-unsur teknikal lain yang member sumbangan kepada kesan visual serta bermakna untuk mengukuhkan lagi persembahan. Oleh itu, peranan pereka set amat penting. Dai harus bekerja dengan pengarah atau pengarah artistik untuk menjayakan sesuatu persembahan supaya mencapai matlamat yang diinginkan pengarah. Biasanya teater menggunakan pentas sebagai ruang lakon. Untuk menjadikan gerak lakon berkesan ianya dibantu set sebagai latar hias yang dihasilkan oleh seorang atau satu pasukan pereka, untuk menjadi elemen visual yang mempunyai peranan penting dalam meningkatkan kesan estetika bagi sesuatu pementasan.
Peranan dan persediaan sebagai pereka set. Seorang pereka set perlu memahami unsur-unsur seni yang terdapat dalam teater.
Dengan adanya kefahaman ini maka pereka set akan memahami
bentuk pementasan yang dicadangkan. Seterusnya dapatlah dia menghasilkan rekaan dan menyelia binaan set yang betetapan dengan kehendak pengarah produksi. Sebagai seorang pereka yang bijak maka beberapa persoalan mesti bermain dalam fikirannya tentang sesuatu rekaan, antaranya ialah: a) Adakah aku suka menceraikan bahagian-bahagian dari sesuatu benda dan melihat apa yang menjadikannya berfungsi? b)
Dapatkah aku temui sebabnya apabila sesuatu tidak berfungsi dengan
betul dan adakah aku berupaya untuk memperbaikinya?
c)
Adakah aku mengambil berat tentang keperluan sesuatu rekaan agar
bersesuaian dengan matlamat produksi? d)
Adakah aku suka melukis gambar untuk menjelaskan lagi kata-kataku?
e)
Adakah aku suka membuat model yang berkaitan?
f)
Adakah aku suka memikirkan tentang meletakkan benda-benda yang sama
dengan cara baru? g)
Adakah aku mahu membiarkan sesuatu yang sudah cukup baik begitu
sahaja?
Tanggungjawab pereka set Pereka set bertanggungjawab untuk mengolah dan merialisasikan gambarangambaran yang diperolehinya melalui pembacaan skrip atau perbincangan dengan pengarah teater. Seterusnya dia menterjemahkan gambarangambaran tersebut kepada lakaran-lakaran yang akan dibentuk menjadi reality di ruang pementasan. Hasil rekaan set bukan sahaja dapat dinikmati dari aspek artistiknya oleh penonton, tetapi yang lebih penting supaya menjadikan ianya lebih berkesan dan mantap dari segi kelancaran gerak lakon dan menyempurnakan penyampaian makna dan falsafah persembahan. Pereka set bertanggungjawab terhadap kerja-kerja yang berkaitan dengan rekaan pentas bermula dari peringkat-peringkat pra-produksi, produksi dan pasca produksi. Tidak kira seringkas mana sesuatu set yang diperlukan. Setiap set pentas bermula dengan lakaran yang harus dipersetujui oleh pengarah produksi atau pengarah artistik bagi memastikan objektif pementasan dapat dipaparkan melalui set yang dicadangkan.
Perkara yang perlu diambil kira oleh seorang pereka set:
a)
Ukuran saiz sesuatu ruang pentas (luas dan tinggi)
b)
Kedudukan pintu keluar masuk pentas
c)
Kedudukan tangga pentas
d)
Jarak pentas dengan ruang duduk penonton
e)
Jarak antara ruang pencahayaan dari posisi kepala pelakon
Hal ini penting bagi menjamin keselamatan manusia dan praktikal demi kelancaran pementasan.
Elemen penting Aspek teknikal melibatkan spectacle atau pemandangan. Hari ini istilah tersebut merangkumi segala perlakuan yang dikenakan kepada pentas dan penonton seperti set, kostum, rias, pencahayaan dan lain-lain yang disebut sebagai scenography. Untuk memudahkan pemahaman, pengertian sinografi di golongkan ke dalam dua golongan yang saling bertimbal balik iaitu sinografi yang dikenakan kepada pelakon dan sinografi yang dibina di atas pentas.
Sinografi yang dikenakan kepada pelakon melibatkan ciptaan kostum, rias, prop tangan dan pencahayaan. Ketiga-tiganya diusahakan oleh ketua bahagian yang berlainan iaitu pereka kostum akan mereka kostum untuk para pelakon, ketua rias akan memberikan penekanan kepada rias para pelakonnya sementara pencahayaan akan dilakukan oleh penata lampu. Sementara dalam bahagian sinografi yang dibina di atas pentas melibatkan kerja-kerja pembinaan dan pertukangan yang dilakukan oleh pekerja-pekerja mahir. Ia termasuklah set dan rekabentuk pentas, peralatan pentas dan pencahayaan.
Walaupun pencahayaan disebut di dalam dua bahagian tetapi kedua-dua hal tersebut bukanlah bersifat berasingan. Sebaliknya pencahayaan dan sinografi pada pelakon dan pada pentas adalah sama. Kerjasama antara setiap bahagian teknikal penting kerana penentuan akan dibuat kepada warna yang digunakan dan juga bentuk-bentuk yang sesuai antara satu sama lain. Misalnya kalau kostum yang diciptakan menggambarkan suatu suasana yang menggerunkan maka set yang direka juga mempunyai rekabentuk ke arah tersebut. janganlah kalau gambaran di sebuah rumah lama dan using, pelakonpelakon semuanya berpakaian baru yang berwarna-warni dan baru dijahit. Ertinya ketepatan pada segala aspek yang melibatkan rekabentuk sinografi adalah penting.
Segala rekacipta para pengarah teknik hendaklah sesuai dengan mood lakonan. selain daripada menyediakan suatu suasana kreatif para pelakonnya,
segala peralatan yang diletakkan di atas pentas, pada pelakon dan yang digunakan oleh pelakon hendaklah membantu bagi memudahkan pergerakan para pelakon. Kalau tujuan kita adalah untuk menunjukkan kemampuan dan kebolehan dalam rekacipta sinografi sedangkan rekacipta kita itu boleh mengganggu pergerakan pelakon dan ada pula yang tidak berkaitan langsung dengan lakonan maka ciptaan kita itu adalah sia-sia sahaja.
Oleh kerana keadaan kewangan yang sempit (biasanya dialami oleh kebanyakn kumpulan bersifat amatur) maka tendensi mereka untuk membina sesuatu rekacipta untuk persembahan mereka adalah tipis. Mereka lebih gemar menggunakan peralatan yang telah sedia ada seperti tangga, bongkah dan sebagainya. Semua benda ini boleh dipinjam atau disewa dengan harga yang murah sahaja. Walaupun demikian, daya cipta dari segi penyesuaian dan pemikiran tentang penyusunan (tokok tambah) adalah penting. Tanpa memikirkan tentang lokasi objek dan sebagainya mungkin peralatan tersebut akan menjadi faktor penghalang dan kesannya boleh merosakkan keseluruhan persembahan tersebut. Satu lagi aspek sinografi yang tidak kurang pentingnya adalah pencahayaan atau disebut juga teknik lampu. Pada dasarnya kumpulan-kumpulan teater yang tumbuh di luar Bandar tidak ada kemudahan lampu yang sempurna. Yang paling mudah ialah menggunakan pencahayaan yang digunakan pada peringkat yang paling minimu sekali. Bagi yang mampu sedikit dapatlah menggunakan dua atau tiga lampu spot. Ertinya, fdari beberapa fungsi pencahayaan, kumpulan-kumpulan tersebut hanya mampu menyempurnakan fungsi dasarnya sahaja iaitu untuk menerangkan pelakon agar dapat dilihat oleh penontonnya. Tetapi diharapkan janganlah kerana kekurangan yang disebutkan itu akan melemahkan para pekerja taeter untuk terus bergiat dalam pementasan drama pentas. Tanamkan dalam ingatan kita bahawa kalau kita juga mempunyai kemudahan seperti kumpulan-kumpulan yang bernasib baik dengan teknik lampu yang canggih, kita juga boleh buat sama seperti mereka itu. Apa yang penting adalah semangat untuk terus berteater sentiasa ditanamkan di benak kita.
Sesuatu rekacipta untuk sinografi hendaklah bersesuaian dengan sesebuah bentuk pentas yang akan digunakan untuk pementasan. Tidak ada satu rekacipta yang dapat disesuaikan seratus peratus bagi kesemua bentuk pentas. Rekacipta untuk pentas proscenium misalnya tidak dapat digunakan untuk pentas arena. Begitulah juga dengan bentuk-bentuk pentas yang lain. Kalau pada pentas proscenium kita boleh letakkan atau bina set-set yang banyak (heavy-setting) seperti membina tembok dan sebagainya, tetapi perkara tersebut tidak boleh dilakukan untuk sebuah pentas arena. Pentas arena yang terletak di tengah-tengah penonton (penonton berada pada empat bahagian iaitu depan, belakang, kiri dan kanan pentas) memerlukan sebuah rekacipta yang berbeza.kita tidak boleh membina tembok tinggi atau meletakkan peralatan pentas yang boleh melindung pelakon dari pandangan penonton. Ertinya gubahan rekabentuknya adalah sederhana tetapi memberikan fungsi yang sewajarnya, kerana peralatan yang berlebihan akan melindungi segala aksi yang hendak digambarkan kepada penonton. Oleh itu kita haruslah meletakkan peralatan yang rendah, ringkas dan represent pada apa yang disampaikan.
Segala rekacipta oleh masing-masing pengarah bahagian teknik hendaklah terlebih dahulu dipersetujui oleh sutradara drama tersebut. walaupun kita berupaya melakukan apa sahaja untuk tujuan sinografi namun suara mutlah adalah dari sutradaranya sendiri. Oleh itu sebelum pembinaan dibuat, lukisan rekabentuk hendaklah ditunjukkan dan disahkan oleh sutradara.
Lukisan pelan pentas dan perspektifnya dengan kedudukan set dan sebagainya amat berguna kepada sutradara. Bila sutradara melihat pelan pentas akan ternampak dua perkara iaitu; i) Tentang penyebaran para pelakon di sekitar pentas iaitu untuk tujuan blocking.
ii) Tentang keadaan susunan para pelakon bila pelakon-pelakonnya bergerak di atas pentas.
Dari segi estetika, set menyumbangkan bahagian yang besar dalam sesuatu persembahan teater. banyak perkara yang dapat ditimbulkan dengan adanya set. Walaupun dalam drama yang tidak memerlukan set seperti dalam antisetting drama atau theatre minus theatre, set berbentuk blok-blok atau kotakkotak masih digunakan untuk tujuan leveling.
Dengan kehadiran set, kita melihat bagaimana para pelakon memanipulasikan serta menggunakan alatan yang ada di atas pentas dengan sempurna. Untuk itu, set yang dibina mestilah yang akan memberikan makna kepada persembahan bukan sekadar diletakkan tanpa apa-apa fungsi tertentu dalam satu-satu masa drama tersebut. set juga bertugas untuk melahirkan idea dan konsep penulis atau sutradara secara visual. Ia menyediakan keadaan untuk pembinaan suasana kreatif pelakon-pelakonnya. Di bawah ini diperincikan lagi fungsi set untuk pemahaman yang lebih mendalam.
1.Menyediakan tempat untuk sesuatu perkara yang berlaku. Lokasi atau tempat cerita berlaku digambarkan melalui set seperti keadaan dalam rumah, ruang tamu, pejabat, kaeasan luar rumah dan sebagainya. Pemandangan secara visual itu diperkukuhkan lagi dengan dialog dari para pelakon yang dengan dengan sendirinya mengekalkan kepercayaan penonton terhadap apa yang terjadi di atas pentas sebagai gambaran suatu kehidupan yang benar.
2. Menolong para wataknya menyatakan tentang statusnya dalam m asyarakat yang digambarkan. Melalui pemandangan (spectacle), penonton akan mengetahui kedudukan dan sosioekonomi watak itu sama ada kaya, miskin atau gambaran tentang hidup.
3. Menunjukkan masa yang tepat bagi perlakuan drama itu. Melaluinya penonton dapat mengagak masa dan zaman peristiwa itu berlaku sama ada pada kurun ke-18, 19 atau kurun ke-20.
4. Memberi suasana drama sama ada tragedi, komedi, melodrama atau menggambarkan stail-stail tertentu yang dibawa oleh drama itu.
5. Memperteguhkan jalinan tema, kerana dari pemandangan keseluruhannya tema drama dapat diperjelaskan.
6. Memberikan perspektif dengan menunjukkan gubahan tiga dimensi atau menunjukkan keluasan (width) dan kedalaman (depth) kawasan lakonan.
Perhiasan pentas hendaklah bersesuaian dengan keadaan drama yang dipentaskan. Janganlah terlalu ghairah untuk memperlihatkan kemampuan menghias pentas sehingga mencalarkan tujuan drama yang sebenarnya di mana perhiasan itu lebih berupa timbunan-timbunan setting yang tidak berfungsi.
Pemilihan warna yang betul pada setting adalah perlu. Kita janganlah melahirkan warna-warna yang antara dua tona pilihan kita itu amat jauh bezanya melainkan untuk memberikan penekanan kepada sesuatu yang mahu dilahirkan. Biasanya dalam teater orang bercakap mengenai harmoni iaitu satu perkara adalah bersesuaian dengan yang lain hingga melahirkan satu kesatuan yang jitu. Dari itu, warna yang dilahirkan juga tidak dapat dipisahkan antara satu dengan yang lain. Apa yang dimaksudkan di sini adalah intensiti warna yang dipilih hendaklah mendatangkan harmoni yang unik.
Pengetahuan tentang warna pada peringkat yang paling dasar sekali adalah perlu. Misalnya, seseorang itu harus mengetahui perbezaan antara warna garang dengan warna lembut. Sebagai keperluan dasar, diterangkan di sini warna-warna yang dimaksudkan itu iaitu warna merah, merah tua dan jingga adalah warna garang atau disebut juga sebagai warna panas (warm color), sementara warna-warna biru, biru muda, biru tua, hijau, hijau muda dan hijau tua adalah warna lembut yang juga disebut sebagai warna sejuk (cool color). Dengan pemilihan warna yang betul itu akan melahirkan perasaan yang betul pada keseluruhan drama kita kelak. Melalui pemilihan warna yang betul dan sesuai
yang
kelak
dipadankan
dengan
warna-warna
kostum
akan
menimbulkan harmoni yang dimaksudkan. Kalau pemilihan tidak teliti maka ditakuti kostum akan tenggelam dalam warna setting dan kemudiannya baru kita menyesali perkara itu kerana tenaga yang begitu banyak dicurahkan menjadi abu sahaja. Warna setting dengan warna kostum hendaklah suatu warna yang kontra tetapi tidaklah terlalu kontra sehingga menyakitkan mata yang memandang.
ARTISTIK PENCAHAYAAN DALAM PERSEMBAHAN PENTAS Saturday, May 29, 2010 at 3:48 PM | Pengenalan Sebuah pementasan tidak kira sama ada pementasan teater, tari, opera, ballet atau konsert boleh dipersembahkan di mana-mana sahaja. Apa yang diperlukan hanyalah sekumpulan pemain dan penonton. Namun, kehadiran atau kewujudan elemen tambahan seperti set, prop dan pencahayaaan bukan sahaja akan memperkayakan lagi bentuk persembahan malahan turut memperkayakan mutu persembahan pemain dan meningkatkan nilai estetika penonton yang menyaksikan pementasan tersebut. Namun dalam pementasan tarian, penggunaan set latar, prop yang besar dan menarik bukan menjadi satu keutamaan yang besar. Elemen visual tersebut bukan tidak perlu tetapi ia tidak menjadi suatu kemestian sepertimana di dalam pementasan teater. Tarian tidak terlalu bergantung kepada elemen latar fizikal seperti yang dinyatakan itu tetapi lebih bergantung kepada keupayaan penari tersebut. Walaupun begitu, untuk menafikan terus ketidakperluan kepada elemen visual adalah satu kesalahan dalam pementasan pentas. Setiap bentuk persembahan pentas
memerlukan
penataan
pencahayaan
tersendiri.
Pencahayaan
merupakan salah satu elemen visual yang penting. Elemen pencahayaan dalam seni pementasan khususnya tarian, selain daripada bertujuan untuk menerangi tubuh dan pergerakan penari, ia turut memainkan peranan sebagai agen dramatik dalam tarian, mengawal dan menarik perhatian, melakar dan membentuk
imej,
menyalur
maklumat
mengenai
masa
dan
tempat,
menyumbang kepada pengkayaan teknik dan mood serta menyampaikan ideaidea. Teknikal pencahayaan di dalam tarian tidaklah perlu serumit dalam pementasan teater. Ia hendaklah seringkas yang mungkin tetapi tidaklah sampai menjejaskan kualiti dan konsep tarian itu sendiri. Ringkas tetapi mampu menampilkan mood, warna dan kehidupan kepada tarian tersebut. Peranan pencahayaan tarian perlu bukan sahaja untuk tujuan hiburan semata malah ia sebagai satu cara untuk memberikan ‘nyawa’ kepada persembahan tarian i tu.
Fungsi Pencahayaan Pentas Keindahan dalam pementasan hanyalah satu elemen kecil dan bukan satu keutamaan dasar. Namun begitu pencahayaan dalam pementasan tarian mestilah dibuat secara teratur dan sistematik. Pencahayaan tersebut tidak boleh dibuat sesuka hati dan sekadar untuk mencantikkan pentas dan persembahan sahaja. Pencahayaan tarian mempunyai fungsi dan tatacara tertentu yang perlu difahami dan dipatuhi. Terdapat enam f ungsi pencahayaan dalam pementasan; kejelasan, mood, komposisi, focus, kesatuan dan kredibiliti.
Kejelasan (Visibility) Kejelasan bermaksud kemampuan melihat secara jelas apa yang berlaku di atas pentas. Namun itu bukan bermakna setiap sudut pentas atau penari itu mesti disinari oleh cahaya sepanjang masa. Memadai hanya menyinari sebahagian ruang atau penari sahaja mengikut keperluan skrip dan sutradara. Kejelasan tertakluk juga dan bergantung kepada tahap ilmunisasi yang digunakan. Ini bergantung kepada kehendak skrip dan mood yang diperlukan. Dalam persembahan tarian, cahaya yang digunakan itu mestilah mampu menerangkan susuk tubuh dan gerak penari mengikut keperluan dan kesesuaian naskah. Hanya ruang yang digunakan untuk bergerak sahaja yang harus diterangi, sementara ruang lain boleh sahaja disuramkan atau digelapkan.
Mood dan Komposisi Mood merujuk kepada kesan emosi hasil stimulasi olek kualiti, warna dan komposisi pencahayaan yang digunakan. Sementara komposisi pula adalah gubahan gambaran persembahan yang diciptakan oleh pencahayaan hasil gabungan bersama dengan penari, set, prop, kostum dan rias. Pemilihan warna
cahaya itu bergantung kepada keperluan dan mood persembahan tarian itu sendiri. Yang penting ialah bagaimana komposisi cahaya itu dihasilkan menentukan corak penghasilan persembahan tersebut.
Fokus Fokus dapatlah dimaksudkan sebagai kemampuan pencahayaan yang dipancarkan untuk menarik perhatian penonton terhadap apa yang ingin ditonjolkan oleh penari. Ia boleh dilakukan dengan memberikan mood dan gabungan komposisi warna yang sesuai pada ruang atau penari yang mahu difokuskan.
Kredibiliti Kredibiliti melibatkan kemampuan pencahayaan mewujudkan kepercayaan sementara penonton terhadap situasi yang dipaparkan di atas pentas. Ini bukan bermakna situasi dramatik tersebut mesti dihasilkan secara realistik. Contohnya, skrip memerlukan latar suasana yang gelap gelita di dalam bilik, maka di atas pentas tidaklah boleh digelapkan sahaja ruang persembahan sebagai memenuhi kehendak skrip. Perlu dipancarkan kualiti cahaya yang sesuai agar penonton dapat melihat aksi yang terhasil atau apa jua yang perlu dilihat penonton. Ini berbalik semula kepada fungsi visibiliti tadi.
Kesatuan Kesatuan melibatkan kemampuan pencahayaan menggabungjalinkan stail, warna dan lain-lain elemen dalam produksi; set, prop, kostum dan rias. Sistem penggubahan pencahayaan seperti yang telah sedia maklum akan hanya boleh dilaksanakan apabila semua elemen lain seperti yang dinyatakan sebelum ini telah berjaya disatukan dan disiapkan. Semua fungsi yang dinyatakan itu memberikan kesan yang besar kepada pementasan sama ada ia dirancang ataupun tidak. Walau bagaimanapun, fungsi-fungsi ini digunakan termasuklah kuantiti pencahayaan, sudut arahan, pergerakan, warna dan kuantiti
pencahayaan. Kuantiti tersebut sebagai intensiti yang menjelaskan tentang tahap kuantiti cahaya yang digunakan. Kuantiti cahaya yang digunakan bakal menghasilkan kuantiti terang atau suram sesuatu objek yang dipancarkan cahaya ke arahnya. Ini boleh terhasil bergantung kepada jenis lampu yang digunakan, susun letak lampu, media warna yang digunakan atau lain-lain aksesori yang dipakai bersamanya.
Sudut Arah Sudut arah atau direction merujuk kepada sudut di mana pencahayaan itu dipancarkan di atas pentas. Susun letak lampu baik di hadapan, sisi, bawah, atas atau belakang penari memberikan kesan yang berbeza. Kedudukan ini bakal menentukan atau mengubah bentuk tiga dimensi penari atau objek tersebut.
Pergerakan Pergerakan melibatkan apa jua perubahan cahaya bagi menggambarkan pergerakan suasana dalam pementasan seperti terang dan gelap, perubahan waktu dan sebagainya. Sebarang perubahan cahaya akan menimbulkan keadaan suasana yang memberikan kesan kepada penonton.
Warna Penggunaan
warna
memberikan
kesan
yang
besar
kepada
mood
persembahan. Penggunaan warna memberikan interpretasi berbeza terhadap mood dan situasi yang digambarkan. Contohnya, warna biru yang melambangkan kesayuan, mimpi dan sebagainya.
Tekstur
Ia melibatkan variasi kualiti cahaya yang digunakan. Iluminasi boleh sahaja bersifat lembut atau terfokus kepada keperluan persembahan. Penghasilan tekstur cahaya melibatkan pengawalan kuantiti pencahayaan yang digunakan. Ini boleh terhasil dengan penggunaan penapis atau filter dan jenis lampu.
Pencahayaan amat penting untuk memberi gambaran situasi daripada masa kini ke masa silam, menyinari gerak penari dan mempertajamkan ekspresi gerak dan tubuh penari, menambahkan mood dan atmosfera kepada sesuatu persembahan iaitu dengan permainan warna dalam pencahayaan pentas. Sebagai contoh warna terang menggambarkan keceriaan dan keseronokan, warna sejuk menggambarkan sesuatu perasaan dan keadaan kemurungan. Low lighting yang memberikan efek bayang-bayang mungkin menggambarkan keadaan misteri dan seram. Selain itu, pencahayaan dapat mencipta komposisi dengan menunjukan pandangan mata penonton kepada elemen -elemen yang penting iaitu dengan penggunaan teknik pencahayaan fokus. Pencahayaan juga dapat mencipta dimensi terhadap objek di atas pentas. Objek yang berbentuk tiga dimensi akan kelihatan rata jika lampu dipancarkan kepada satu arah sahaja. Namun begitu, bentuknya akan kelihatan jika memancarkan pencahayaan dipelbagai sudut dengan memanipulasi permainan sudut seperti backlight, downlight, frontlight dan crossing light. Pencahayaan juga mampu menonjolkan sesebuah stail dalam pementasan. Pencahayaan juga mampu memperjelaskan perkembangan aksi dramatik dalam sesebuah persembahan dengan menonjolkan mood perasaan dan juga perubahan mood yang berlaku bagi setiap adegan contohnya perubahan daripada perasaan ceria kepada rasa marah.
Jenis-jenis Intrumentasi Lampu Terdapat pelbagai jenis lampu yang sering digunakan seperti lampu Par Can, Fresnel, Ellipsoidal dan Spot. Setiap lampu tersebut mempunyai kelebihan dan kelemahan masing-masing. Lampu Par Can yang dicipta oleh Clarence Birdseye, pelopor makanan sejukbeku, adalah lampu yang paling praktikal dan banyak digunakan kerana ketahanan dan kelasakannya. Lampu ini boleh
digunakan untuk kegunaan dalam dewan dan juga luar dewan. Ia ada banyak jenis dan saiz namun Par-64 8 inci yang juga dikenali sebagai `Par can’ berkapasiti 1000Watt merupakan yang paling kerap digunakan oleh kebanyakan penggiat teater Kelemahannya ialah cahaya lampunya berserak (spread) dan kemampuan fokusnya juga agak terhad. Tetingkap (barn door) di gunakan untuk mengawal serakan cahaya yang terhasil melalui lampu Par ini. Ia juga sesuai digunakan sebagai lampu belakang pentas seperti Fresnel namun agak sukar untuk menggabungkan lampu Par dengan lam pu-lampu lain yang bukan sejenis dengannya.
PAR-64 1.Soket lampu 2.kekunci belakang untuk membuka lampu 3.Yoke 4.kabel wayar (Three-wire) 5.lampu par-64 1000 watt 6.pengadang cahaya 7. pemegang bingkai pewarna (color-frame).
Lampu fresnel yang juga disebut `Fra-nel’ yang dicipta oleh Augustin-Jean Fresnel, menghasilkan cahaya lembut dan luas kerana lensa plano-convexnya yang unik. Lampu ini biasanya digunakan untuk menerangkan kawasan yang agak luas dan diletakkan sama ada di bahagian belakang pentas atau di kawasan hadapan pentas. Lampu ini juga mempunyai focus yang dikenali sebagai flood focus; serakan pencahayaan yang luas dan spot focus: serakan pencahayaan yang paling kecil.
Fresnel Spotlight
1. Penyambung twist-lock 2. Wayar penebat getah 3. Pembias Cembung 4. Lubang pengalir udara 5. Yoke 6. Mentol pra-fokus Quartz 7. Lensa 8. Pemegang bingkai berwarna 9-11.Pemfokus mentol
Sementara itu lampu ellipsoidal reflector spotlight (ERS) yang juga dikenali sebagai lekos, Kleiglight atau cannon mempunyai laras fokus yang boleh digunakan untuk memfokuskan cahaya mengikut kesesuaian. Di hujung lampu ini juga terdapat slot gobo untuk membuat kesan khas. Lampu ini sering digunakan sebagai lampu hadapan (front) dan mempunyai variasi fokus sinaran menggunakan shutters, iris dan gobo.
Ellipsoidal Reflector Spotlight 1. Pemegang lampu 2. Mentol berprestasi tinggi 3. pembias ellipsoidal bersalut besi atau kaca 4. aperature 5. shutter atas mengawal bentuk sinaran di bahagian bawah 6. slot gobo 7. lensa plano-convex 8 & 9. pemegang bingkai berwarna
10. Pengawal focus lampu 11. pengunci 12. pemegang rotasi 13. Shutter bawah 14. pengawal fokus cahaya
Rekaan di dalam Pencahayaan Dekon Setiap fungsi yang telah dinyatakan sebelum ini boleh dicapai dengan pelbagai cara. Dalam rekaan pencahayaan, perkara yang paling dasar yang perlu difahami untuk rekaan pencahayaan ialah susun letak peralatan lampu yang digunakan, warna yang digunakan dan lain-lain kesan khas yang dipakai. Untuk memahami konsep rekaan dalam sistem pencahayaan tarian, perlulah difahami terlebih dahulu istilah-istilah yang digunapakai untuk menyesuaikan kedudukan lampu.
High angle – merujuk kepada kedudukan peralatan lampu yang diletakkan secara sudut menegak 60 darjah atau lebih dari kedudukan kepala/muka penari.
Low-angle – merujuk kepada peralatan lampu yang diletakkan secara menegak antara 25 ke 30 darjah dari kedudukan kepala/muka penari.
Backlight – peralatan lampu yang diletakkan menegak di belakang kepala penari dalam kedudukan high-angle antara 60 ke 75 darjah. Ia menghasilkan bayang yang pendek di hadapan penari tersebut.
Downlight – peralatan lampu yang biasanya diletakkan tepat di ats kedudukan kepala penari dan cahaya terus ke bawah. Ia menghasilkan kesan bayang yang
agak dalam pada wajah dan tubuh penari terutamapada bawah mata dan bawah hidung.
Sidelight – peralatan lampu yang diletakkan di sisi kiri atau kanan penari. Kedudukan lampu tersebut boleh sahaja diletak pada kedudukan high-angle 45 ke 60 darjah, sama paras dengan penari atau berdekatan dengan lantai pentas.
Teknik Pencahayaan di Pentas Proscenium Pementasan menggunakan pentas proscenium bakal menuntut penggunaan rekaan pencahayaan yang berbeza dengan pementasan yang dibuat di dalam pentas arena. Sistem pencahayaan yang diperkenalkan oleh Prof. Stanley McCandless menghasilkan teknik pencahayaan McCandless telah dipilih, namun ia bukanlah dianggap sebagai sistem yang terbaik untuk digunapakai, tetapi cukup untuk menjadi topik kajian tentang teknikal pencahayaan dalam tari. Pencahayaan McCandless menjelaskan teori penggunaan sudut dan warna dalam pencahayaan. Warna melibatkan penggunaan warna cool (biru, hijau, dan warna neutral seperti putih, kelabu) untuk satu sudut dan warna warm (merah, oren, dan kuning) untuk satu sudut yang lain.
Merujuk kepada sistem yang diperkenalkan oleh McCandless, terdapat beberapa tatacara projeksi pencahayaan seperti:
Single-Point Lighting (SPL) Bagi kumpulan produksi yang kekurangan kemudahan pencahayaan, peralatan lampu yang digunakan hanyalah bertujuan menerangi sudut ruang atau tubuh penari sahaja. SPL secara umumnya bermaksud satu lampu digunakan untuk menerangi setiap sudut kawasan lakon yang diperlukan. Namun, dalam konteks yang lebih luas ia bermaksud satu sudut pencahayaan untuk satu kawasan. Seleksi sudut pencahayaannya mestilah dilakukan dengan teliti kerana satu lampu perlu memainkan peranan yang besar. Lampu
perlu diletakkan terus di hadapan ruang persembahan pada sudut menegak 45 ke 60 darjah bagi menghasilkan pencahayaan yang ‘natural’ (bayang yang normal). Sudut pilihan ini bagi mengelakkan bayang yang terhasil tidak jatuh pada set atau bertindan dengan bayang penari lain. Semakin rendah sudut pilihan itu maka bayang yang terhasil juga akan lebih ketara. Sudut pilihan 30 darjah menghasilkan dua ‘persembahan’ penari dan bayangnya. Jika sudut pilihan melebihi 60 darjah, bayang pada wajah dan tubuh penari akan tenggelam dan kelam.
Two-Point Lighting Projeksi menggunakan dua sudut pencahayaan ialah satu lampu di hadapan penari dalam sudut menegak 45 darjah, dan lampu kedua diletakkan di belakang penari dalam sudut menegak 60 ke 70 darjah. Teknik pencahayaan ini juga boleh melibatkan penggunaan dua lampu dari belakang dan satu lampu dari hadapan. Ini disebut sebagai double-hanging. Contohnya lampu belakang menggunakan warna biru dan merah, menggunakan kawalan berasingan sementara lampu hadapan bersifat ‘natural’. Perubahan pergerakan cahaya warna biru ke merah tanpa perlu mengubah warna cahaya di hadapan sesuai digunakan untuk menunjukkan perubahan masa yang berlalu.
Kedudukan lampu-lampu dalam teknik ini boleh diletakkan dengan pelbagai cara yang bakal menghasilkan kesan berbeza; lampu belakang diletakkan di tempat yang sama; menegak 45 darjah, lampu hadapan diletakkan ke sisi sedikit daripada wajah penari dalam sudut yang sama. Ini akan menghasilkan bayang yang lebih ketara pada wajah penari. Selain daripada meletakkan lampu bertentangan antara satu sama lain, kali ini lampu belakang diletakkan di sudut sisi penari dan mengekalkan kedudukan lampu hadapan. Lampu hadapan ini menghasilkan bentuk wajah 3 dimensi secara jelas tetapi lampu sisi menghasilkan bayang kelam pada wajah dan tubuh penari.
Three-Point Lighting & Four-Point Lighting
